Muchas veces oímos el término "obra maestra", a veces incluso sin ton ni son, como un apelativo que se dice por decir, para rellenar…

Realmente decir que algo (pintura, cine, obra en general) es una obra maestra es mucho más serio de lo que nos imaginamos.  Mucha gente lo usa de coletilla.

Si nos ponemos quisquillosos:

Magnum Opus.  Proviene del latín y es la mayor obra de un autor o disciplina.  Es la obra arquetipo, la que guarda todas sus características esenciales, la más representativa y la mejor.  

Es un muy difícil decidir qué obras son maestras o cuáles son, no hay un jurado que le otorgue ese premio.   Aunque bien es cierto que hablando de arte, el término "obra maestra" también está supeditado al concepto de patrimonio mundial que otorga la Unesco. 

Es decir, muchas de las que se consideran obras maestras son patrimonio protegido, por lo que se puede llegar a pensar en utilizar estos dos términos indistintamente.

Sin embargo, "obra maestra" va más allá, no es un título dado por una organización.  Hay incluso demasiados monumentos u obras que no están catalogados como bien de interés cultural (llamado BIC ) o patrimonio mundial, por lo que usarlos como sinónimos no es nada bueno.

Quizás el concepto que tratamos es muy muy subjetivo, como el arte en sí.  A mí lo que me parece una mierda, puede que a otro le parezca una gran obra maestra.  Y al revés.  Por ejemplo, el famoso Cuadrado negro sobre fondo blanco de Malevich, que tanto está dando que hablar en Observatorio , personalmente creo que es una gran obra maestra.  Mientras, otros dicen que es una porquería y una tomadura de pelo.

Para que una obra fuera maestra, a mi juicio, tendrían que verse varios aspectos:

- Paso del tiempo.  Decir que una obra actual o película actual es una obra maestra es pillarse los dedos.  A no ser que sea de una calidad e innovación sin precedentes, siempre tenemos que ver las cosas desde la perspectiva, desde la historia.  Sin duda, Picasso en su época fue un auténtico hereje del arte, pero ahora lo vemos como el mayor artista del siglo XX.  

Al igual pasó con Goya, que sus cohetáneos decían que no sabiá dibujar.  Pero que nosotros lo consideramos, no ya un maestro, sino un genio.

La historia pone las cosas en su sitio y nos hará ver si los elementos introducidos por un artista en una obra o período son realmente innovadores o, sin embargo, nos hemos dejado seducir por su verborrea.

- Características esenciales del autor.  Una obra de un autor que se considere maestra, tendría que tener los elementos típicos de él, lo más paradigmático.  Viendo la obra podríamos decir "es que tiene que ser de este artista".  Tendría que ser una obra de calidad, de buena factura, de innovación.

- Innovación.  En los tiempos que corren, una idea se cotiza al alza, y si encima sabes cómo desarrollarla puede que llegues alto.  Sin embargo, una obra maestra no tiene por qué ser cotizada, sino que tiene que ser innovadora, algo que revolucione.  Y no sólo hablamos de obras en sí, físicas, sino por ejemplo también una forma de pintar, una forma de representar volúmenes…

- Influencia.  Aunque no es propiamente cosa suya, para ser maestra tiene que tener discípulos.  Para ello, tiene que influenciar a otros, tiene que ser referente para generaciones venideras que la incluyan como su libro de referencia. 

Con todo esto lo que quiero decir es que una obra maetra tiene que ser un hito, marcar un antes y un después, revolucionar.

Malevich fue un maestro porque destrozó la forma de ver el arte; el Laocoonte es una obra maestra porque tuvo a sus espaldas miles de artistas que la copiaron, sirvió de referencia para la Academia, y en el Renacimiento fue la obra cúlmen a seguir.

¿Para vosotros qué es una obra maestra? ¿Llamáis a todo obra maestra? 

Doris Salcedo es una artista colombiana que, entre sus muchas obras, hace mobiliario antiguo que está relleno de cemento.  Se trata de un gesto alegórico para quitar la importancia familiar, de hogar, de los muebles y mostrarlos con crudeza.

Relaciona su arte con la política de su país en muchas ocasiones.  Resulta un poco inquietante la visión de un armario relleno de cemento, no sé qué os parece..

Por cierto, sí, Doris Salcedo es la artista que saltó hace poco a la palestra por su famosa grieta en la Tate de Londres que tanto dio que hablar… 

Hoy en Observatorio , un lector me ha dejado esta perla para que la viera:

Curioso, ¿verdad? 

Muchos hemos oído la expresión "el séptimo arte" para referirse al cine…¿pero por qué?  ¿cómo surgió la expresión?

Resulta que al principio el cinematógrafo simplemente se veía como un mero entretenimiento, un utensilio ingenioso.  Recordar que el primer corto de la historia del cine produjo un terror horrible, produciendo la estampida de todo el público, ya que un tren parecía salir de la pantalla para arrollarles.

En 1911, Riocciotto Canudo en su Manifiesto de las siete artes se encargó de ser el primero en acuñar el término y equiparar al cine a las grandes disciplinas del arte tradicional (pintura, escultura,…).  Además, fue un pionero en teorizar sobre la cinematografía, incluso haciendo una obra teórica sobre la estética, y profundiza en un esquemático vocabulario cinematográfico.

Además, consciente de que el cine de su momento es arcaico, apuesta por su futuro como un "arte espacial, en movimiento".

Santo Tomás era italiano, aristócrata e hijo de los condes de Aquino.  Nació en Nápoles y sus padres le dan una educación muy esmerada.  Se forma en Montecasino, un monasterio cercano a Nápoles y luego pasa a la Universidad de Nápoles.  Su destino era ser abad en Montecasino pero en contra de todos, toma el hábito dominico.  Se traslada luego a Paría y Colonia a estudiar (donde conoce a San Alberto Magno , que es su base intelectual).

Volverá luego a París, donde es profesor en la Universidad, para luego ir a Italia donde está en la Corte papal entre 1259-1268.  Será mentor de Clemente IV y al morir éste, marcha otra vez a París y Nápoles, donde muere.

Al morir, su doctrina filosófica, el tomismo, se extiende y su Suma Teológica será el compendio de pensamiento filosófico cristiano hasta el siglo XVIII.

Incluso Panofsky habla de la Suma Teológica como “arquitectura de pensamiento por claridad de concepto y su estructuración, por argumentos que da y sus refutaciones del pensamiento escolástico bajo medieval”.

Con respecto a la estética, según sus textos no es capaz de sentir la belleza en una obra de arte.  Entiende la belleza desde una posición metafísica y estará en relación con bondad (uno de los elementos transcendentales para él).

Define la belleza como esplendor de bondad y como aquello que agrada a la vista.  La vista será para él el método par aprehender de la naturaleza.  Sin embargo, no será un filósofo sensualista, porque pondrá la razón como lo principal.

Un objeto será bello porque nosotros lo sentimos.  La belleza es objetiva y puede ser un conocimiento, según él.  El placer que se sentirá al ver un objeto bello será un placer intelectual; solo con la razón podremos entender la belleza (carácter racional).

Establece además que la belleza es algo formal (como Aristóteles ).

Dice que se pasa de un primer nivel sensible a un nivel racional para tener una idea clara de la belleza.  Santo Tomas habla de tres condiciones para que se de la belleza (habla de ello en el tomo I de su Suma Teológica):

Integridad (o perfección).  Esta idea procede de Aristóteles y significa que en un objeto o sujeto se den propiedades de una forma efectiva (no completo=no perfecto, no hay forma)

Proporción o armonía.  Procede también de Aristóteles.  Todas las partes deben de estar de acuerdo unas con otras, y con el espectador (que capte armonía del objeto).

Claridad o luminosidad.  Se relaciona con Platón y tradición neoplatónica.  Habla de la luz como belleza y verdades divinas.  La claridad será el resplandor de la forma, se verá por la vista y la razón.

Para él, lo bello se dirige a nuestro conocimiento, mientras que el bien y la bondad se dirige al deseo.

Mi dedo te señala.

Sí, tú eres el escultor de música,

el que talla las cuerdas de la guitarra.

Aquel que serena mis noches y enloquece mis mañanas,

rasga el arpa con el cincel

y tañe mi corazón con su maza.

Las notas caen muertas cuando duermes,

mientras que vibran cuando cantas.

Constructor de melodías,

la clave en el pentagrama,

el que lee mi partitura,

el que sabe descifrarla.

Mil esculturas de amor me has erigido,

mil canciones de amor me has cantado.

Yo, sin embargo, no te escribo,

ni canto,

ni tallo.

Yo, simplemente, te escucho. 

Cuando empecé Observatorio tenía la idea de hacer una imagen pero que se pudiera ver en detalle algunos puntos, a gusto de consumidor. 

Cuál es mi sorpresa que hoy, de pura casualidad, me he encontrado con una página que lo hace.  Aunque a mi gusto no le saca el potencial a la página que tiene, porque hay poquita información.

Se trata de El reloj de sol, una página que no sé muy bien su función, cometido o lo que pretende, pero que recoge un poco de información a modo de collage y que en un apartado, te ofrece unas imágenes a las que puedes aplicar un zoom como una lupa.   

Este efecto "lupa" lo podéis encontrar por aquí , si os apetece un día probarlo.  La verdad es que es muy recomendable, está muy bien. 

Volviendo a la web, como negativo (muy negativo) es la cantidad de publicidad que tiene la web, casi te da la impresión de que lo más importante es eso y que lo meramente anecdótico son las obras…

" Un día Picasso, estaba acompañado por “ La banda Picasso”; este grupo estaba formado por el poeta Guillaume Apolinaire, Jean Cocteau, Juan Gris, Georges Braque, el aduanero Henri Rouseau, el poeta y pintor Max Jacob, y otros.

Estos eran los artistas que vivían o frecuentaban Le bateau- Lavoir, que para esa época eran talleres-habitación que al comienzo del siglo XX compartían muchos artistas, lugar o mejor dicho, cantera del Arte Moderno. Habían venido a París en busca de enriquecerse intelectualmente, y también, lograr la fama; París era el sitio donde los artistas de todas las partes del mundo querían venir a trabajar y exponer…

Total, la historia no sé o no recuerdo muy bien donde ni la fecha exacta de esta anécdota; pudo haber sido en Montparnasse, en el Café la Coupola, lugar frecuentado por pintores, poetas e intelectuales a comienzos del siglo XX, o cuando, Picasso vivía en la Rue des Grands-Augustins, para ese entonces, década de los 30, ya que para esa fecha trabajaba para el marchante de arte Kahnweiler, o bien, yo pensaría, que fue cuando Picasso ya vivía en el sur de Francia, porque en realidad, pienso que cuando subsistían en el Bateua- Lavoir en Montmartre no tenían mucho dinero para ir al restaurante.

En ese momento era la miseria total…La historia narra, que el grupo había tomado y comido bastante y entre chistes y chistes, vino y más vino, comida y comer hasta la saciedad, hablar de arte, comentar sus últimos cuadros, sus poesías y hablar de sus conquistas amorosas, sobre todo Picasso que contaba las transformaciones, las cuales, se producían en su obra cuando tenía una nueva musa. Y es verdad, cuantas mujeres, cuantas tendencias en su obra… Las manecillas de los relojes habían dado varias vueltas, las horas y las horas pasaron y llegó el momento que había que pagar.

Cuando apareció esa hora crítica, todo los demás pintores se hicieron “los locos”y como sabían que él ya comenzaba a vender en dólares a los ricos coleccionistas americanos, pensaron que era él, el candidato para pagar y miraban con sumo interés a Picasso.

Muy hábilmente, Picasso retira los platos, cubiertos, botellas y resto de comida del mantel blanco. Inmediatamente, tomó su pluma e hizo un dibujo, y llamó a la dueña del restaurante para pagar con ese dibujo, los gastos del almuerzo, la propietaria se alegró y con una gran sonrisa le dijo a Picasso:

¿ Me lo puede firmar por favor?

Y él le respondió: “ Yo estoy pagando el almuerzo, no estoy comprando el restaurante”, y se fueron celebrando la genial respuesta de Picasso.  Indudablemente, que esta historia se pasó cuando ya él era un artista conocido y su obra ya tenía un gran valor artístico- económico. "

Recogido de Restauras 

Parece que fue ayer, pero ya estamos en el 2008! Aprovecho para felicitar el año a todos, en especial a mis compañeros blogueros, y a fustigarme por no haber escrito antes en mi blog.

Como dije hace una semanita, estuve en Barcelona para ver el Circo del Sol y la exposición de Bodies.  Realmente no sabía a qué me iba a enfrentar en la exposición, creía que iba a ser algo más gore, más morboso, después de las críticas que había leído y de toda la parafernalia que se ha montado entorno a von Haggens.

El caso es que la exposición me pareció fabulosa, increíble, aprendí un montón.  Y es que eso es lo que pretende, enseñar, ni más ni menos.  No se trata de una exhibición de muertos de tono macabro como puede parecer al principio, sino que tiene mucho más fondo.  Lo que pretenden hacer es una reflexión sobre la vida humana, sobre los hábitos de consumo, la alimentación…

Todo ello bien envuelto en carteles explicando partes del cuerpo, el sistema circulatorio, digestivo.

La exposición se divide en varios apartados, según los órganos: digestivo, circulatorio,…para explicar pormenorizadamente cada uno de los procesos que hacen posible que seamos como somos.  Sin medias tintas de dibujitos ni plástico, son cuerpos de verdad.  Lo sabes cuando estás viéndolo, hasta el punto de que en cualquier momento te da la impresión que te van a dar una colleja

Hubo dos salas que me gustaron especialmente: el sistema circulatorio y el reproductor.  El primero de ellos mostraba todo el ramillete de venas que hay en el cuerpo, que habían sido anteriormente "puestos en tinta", endurecidos y extirpados.  Se puede contemplar un sistema enterito del cuerpo humano o, por ejemplo, la parte que corresponde a los pulmones (fascinante, por cierto; os lo he puesto de imagen para el post).

La otra sala que me gustó es el de reproducción.  Acostumbrados a ver en los dibujos cómo son los ovarios, me llamó la atención verlos "en vivo y en directo".  Pero sin duda, probablemente lo que más da de hablar de la exposición es la sección de fetos humanos en distintos momentos de su vida (cuatro semanas, cinco semanas).  Hablando en materia puramente científica, era impresionante.  

Por todo eso, repito que aprendes muchísimo y la visita es muy reconfortante.  Incluso te incentivan muchísimo para la vida saludable, exponiéndote órganos con cánceres, cirrosis u otro tipo de enfermedades, así como el problema del colesterol o del tabaco (había, por supuesto, un pulmón ennegrecido y otro sano; entre ellos había una urna donde podías tirar tu paquete de tabaco).

Incluso hay una mesa donde puedes tocar los órganos (yo toqué un hígado y un músculo).

Conclusión.  Una visita realmente sorprendente, didáctica y amena, otra forma de vernos a nosotros mismos y de aprender una materia que muchas veces se nos atraganta.

Y no, no tiré el paquete de tabaco, si es lo que os preguntáis… 

PD.  Si alguien le interesa el proceso de realización de los cuerpos, hace tiempo hablamos en Analizarte sobre Von Haggens 

Hoy vamos de temas entretenidos.  Hacia tiempo que andaba buscando el nombre del personaje, pero se me resistía.  Ya lo he encontrado! por fin!

Se trata de Rudolf Schwarzkogler, artista que representa el masoquismo y la sangre en todas sus perfomances, dentro del grupo de activistas vieneses. 

Una de las más famosas es la sesión fotográfica que se realizó cortándose a rodajitas el pene.  Un mago de la ilusión, ya que no fue real (pero coló), algo que por ejemplo sí que hacía Robert Flanagan (os invito a leer su biografía si tenéis estómago).