Se desarrolla en fines del siglo XIX y será continuación del método atribucionista , pero con sentido más científico.  Se referirá a la biografía del artista y al catálogo razonado de su obra.

Tiene varios pasos:

1)       Identificación de las obras

2)       Datación de las obras (pueden estar fechadas directamente o tener que datarlas por comparación)

3)       Ordenación cronológica de las obras y secuenciación artística.

4)       Se hace catálogo razonado del artista o se hace monografía del artista:

·          Estudio biográfico

·          Estudio artístico

·          Catálogo de sus obras autógrafas

·          Obras de taller

·          Obras apócrifas y réplicas

·          Falsificaciones

En este método hay personajes importantes, como Cavalcaselle, quien sentó el modelo decimonónico de la biografía de artistas en su “Tiziano.  Su vida y su época”, de 1877; Justi, quien hace la primer monografía de Velázquez en “Velázquez y su siglo”, de 1888; Thode, quien hace “Miguel Ángel”, de 1908-13; el conde de la Viñaza con “Goya.  Su tiempo, su vida y sus obras”, de 1887;…

El amigo Drew nos enseña la original forma que tiene la gente de expresarse…

Cuando lo he visto me he quedado sin palabras, la verdad es que es…original :D 

Además muy práctico, todos aquellos que quieran expresarse y no sepan/tengan para pincel…ya sabéis juas juas.

Os dejo el link aquí para que os echéis unas risas!

Os propongo que hagamos un recorrido (o casi, que si no no acabaríamos nunca..) por instantáneas de la historia de la imagen de la mujer en el arte.

He seleccionado varias imágenes, la mayoría no conocidas porque realmente los nombres no nos importan ahora, otras sí que son conocidas, y mucho.  Así podremos reflexionar sobre la evolución que ha tenido la imagen de la mujer a los ojos del hombre (recordemos que en la historia del arte pocos nombres de mujeres nos han llegado).

Hemos sido desde símbolos de la fertilidad y prosperidad de un pueblo, hasta musas de artistas, vírgenes, campesinas.  Hemos sido obesas, delgadas, blancas, parduzcas… 

Además, llegados al punto del arte actual, os dejo decidir a vosotro mismos el siguiente paso evolutivo y que me propongáis una foto para publicar.  Así, el puzzle se completará y, quien sabe, igual dentro de algunos años tengamos que modificarlo..

ACTUALIZACIÓN 3/09/06: He incluido la imagen que propuso Asurbanipal Gracias, colega! 

Por medio de Alex me entero de una página muy guapa con fondos de escritorio preciosos sobre fotografías artísticas: edificios, árboles, mar…

Aquí tenéis el enlace

Yo me he puesto en mi escritorio la de los árboles de Madrid :D 

En nuestra sociedad moderna el comprar ropa, lavadoras, secadores, ordenadores,…cada poco tiempo nos parece del todo "normal".  El consumismo, el capitalismo, la estupidez humana, como queramos llamarlo nos ciega sin dar algo de luz en este complicado tema.

Todo este proceso de cambio estresante de los elementos que confeccionan nuestra vida tuvo un inicio.  Y ese inicio, probablemente, se dio en los años 30 con el concepto de diseño denominado Stiling.

En los años anteriores, Ford había comercializado un único modelo de coche que se había vendido hasta la saciedad, pero la sociedad cambiaba.  

El Stiling lo que apremiaba era el envejecimiento de la tecnología y del diseño, para así incentivar el consumismo de nuevos productos, aumentando así la producción (básicamente).

Es decir, que se hace un producto peor pero más bonito, básicamente.  La belleza en detrimento de la calidad en los objetos cotidianos.  Buscando pros y contras de este concepto, la verdad es que con ello se consigue que en nuestra vida las cosas tengan un diseño o una belleza que antes no la tenían.  

Lo podemos ver ahora mismo, la forma de las lavadoras, de los frigoríficos, de las aspiradoras,…hasta de los secadores!! tienen formas redondeadas, suaves, muchas de ellas nos llaman la atención para comprar y por eso consumimos.  Esto sin duda es una de las consecuencias de todo lo anterior escrito.

Sin embargo, todo lo bueno tiene algo malo (y viceversa).  Lo negativo es que se azuza el capitalismo tan exagerado que tenemos en nuestra sociedad hasta límites irrisorios.  Ahora una lavadora no te dura veinte años como las anteriores, que, aun siendo más feas, eran más rentables.

Un ejemplo brillante podría ser el de los móviles.  Las compañías te animan a que cambies de aparato cada dos por tres con promociones, nuevos diseños (que realmente son todos iguales) o chorradas varias.  Sin embargo, los móviles nuevos que están sacando cada día duran menos.  

¿Llegará el día en que tengamos que cambiar de ordenador cada año?  (bueno, eso sí que no tardará jeje)

El diseño al abrigo del capitalismo es algo que ya sabemos desde hace años, pero es triste como, después de tanto tiempo, siga siendo aceptado a regañadientes. 

Ah! Por cierto, la imagen es una lavadora aunque parezca una nave espacial :D 

Son movimientos que surgen a partir del neoclasicismo, y que desarrollan una arquitectura inspirada en arquitectura anterior.  Surgirán fruto del Romanticismo y es un movimiento de base intelectual.

Aparecen tres figuras importantes en este contexto: Viollet-le-duc, Pugin y Ruskin

VIOLLET-LE-DUC es arquitecto y arqueólogo francés, que a partir de su restauración de la Santa Capilla de París, empezará una carrera como restaurador (Sta María de Vezelay,…).  Además fue catedrático de la Escuela de Bellas Artes de París.

Publicará muchas obras como “Diccionario razonado de arquitectura francesa del siglo XI-XVI”, de 1854-1868 o “Opiniones sobre la arquitectura”, entre 1863-1872.

Propugnaba una arquitectura funcionalista basada en la época medieval, pero sin rechazar los nuevos materiales fruto de la industrialización.

Además, construirá nuevas formas (reinterpretación del gótico=Neogótico).

PUGIN será un inglés interesado en simbología del Gótico (no funcionalita), caracterizándolo como el símbolo del catolicismo medieval. 

Se convirtió al catolicismo dentro del llamado movimiento de los tractarios (profesores y alumnas que leían escrituras rompieron con su religión anglicana para pasar a ser: anglicanos críticos o católicos).

Defiende que la arquitectura tenía que ser dentro de movimiento neogótico, reinterpretando las formas del Gótico anterior.  Este estilo tuvo gran éxito en Inglaterra y los anglicanos empezaron a usarlo en sus tipologías, naciendo una nueva arquitectura.

Un ejemplo de todo esto es el parlamento de Londres, de 1840-1848, donde colabora Pugin.

Escribió además dos obras importantes: “Principios verdaderos o arquitectura cristiana”, de 1840, y “Apología para la recuperación de la arquitectura cristiana”, de 1843.

RUSKIN también es inglés y es crítico de arte y sociólogo.  Escribió varias obras acerca de arte, como “Pintores modernos”, donde defendía a Turner y prerafaelitas.  Su obra más importante será “Las siete lámparas de la arquitectura”, de 1849 y “Las piedras de Venecia”, de 1851-1853.

Fue además profesor y su planteamiento surge de carácteres ideológicos, pensando que la naturaleza está siendo destruida por el hombre (algo paradójico siendo la época de la Revolución Industrial), soñando con un estado social al lado de la naturaleza (en la línea de socialistas utópicos).

Será pues crítico con la sociedad capitalista y estaría en contra del uso de nuevos materiales.  Porque la sociedad es mala, no se podía hacer un arte válido, teniendo que mirar hacia la época medieval para encontrar el arte auténtico.

Para él, el arte debía trascender el mundo natural, teniendo más importancia el contenido que las formas, por eso el Gótico será el arte más válido.

Influirá en muchos personajes, como William Morris.

WILLIAM MORRIS será el creador del movimiento Arts & Crafts, además de ser poeta, escritor, artista, político,…

En 1856 hizo una comunidad con sus amigos para hacer de la artesanía un negocio, con objetos de bajo coste.  Fundo “Morris, Marshall, Faulkner y CIA”, que divulgaban el gusto a través de las artes y oficios (que siempre habían sido infravaloradas).

Sin embargo, Morris no rechaza los nuevos materiales ni las máquinas, ya que abarataban el coste y daban facilidades económicas, siendo accesibles al público en general.

Esta empresa fracasó, por eso empezó a rechazar la industrialización, derivando con ello a actitudes políticas (se convertirá a la Federación democrática, futuro partido laborista inglés).

La naturaleza ha sido quizás, junto con el ser humano, el tema más recurrente en toda la historia del arte.  Desde los debates acerca de si plasmarla fielmente o hacer su reinterpretación, hasta ser la musa de muchos artistas que han visto en ella su modo de vida.

Nos brinda la belleza que sólo una pintura puede emular, sin llegar a su dulzura desde luego.  Sobre todo los impresionistas y los pinturas al aire libre fueron quizás los que más gustaron de su compañía.  Gracias a los progresos técnicos que se hicieron (por ejemplo, se descubrieron los tubos de pintura, para así poder trasladarse del taller a las afueras) a los progresos culturales.

Se dio un paso más para salir de los cuartos y disfrutar de lo natural.

Por lo tanto, hoy, 11 de agosto, doy mi pequeño homenaje triste a una tierra, a un verde tan intenso, a unos acantilados tan hermosos y a unas tierras tan llenas de buena gente como es Galicia.

Lamentablemente Galicia se quema y, aunque ha habido muchos incendios más en otros puntos de la península y en el extranjero, el caso de Galicia es extremadamente doloroso.  Si habéis estado allí sabréis de lo que hablo.  Yo tuve la oportunidad de ir hace más bien poco y disfruté como una enana.  No sólo por la comida, por el patrimonio, por la gente tan encantadora, sino por lo verde.  Allí el verde cobro otros tintes, es diferente, no solo es verde sino es verde puro.

Por eso lamento horriblemente que ese verde se esté tornando en negro por culpa de insensatos hijos de puta que creen que el bosque es suyo.

Triste, repugnante, horrible.  

Si hicieran faltas lágrimas para sofocar incendios, nosotros verteremos todas ellas para ayudar a los gallegos.  Sin embargo, es una lástima que no sólo con lágrimas se apaga el fuego y actualmente la musa del arte, la Naturaleza, se está muriendo..

" CONSUELO, SOLO UN CONSUELO

EN ESTE MÍSERO SUELO

TUS PADRES PUEDEN TENER

¡LA ESPERANZA QUE EN EL CIELO

NOS VOLVEREMOS A VER!  "

Epitafio en Albarracín.

                Se parte del coleccionismo, que en el siglo XVIII tiene gran auge y tenía precedentes en las colecciones renacentistas.  Estas colecciones empezaron a tener interés científico y formarán los primeros museos.

En la segunda mitad del siglo XVIII aparecen los museos (museo de Luxemburgo en 1750, British Museum en 1759,…).

Por otro lado, aparecen los “connoisseurs” (gentes con conocimientos y experiencia visual en el mundo del arte; catalogarán y agruparán las obras de arte y les atribuirán a escuelas, artistas,…).

Serán los encargados de ordenar y clasificar las obras de los fondos de los museos y lo harán a partir de criterios cronológicos, artísticos,.. aplicando un “conocimiento empírico”.

                Esto hará que se cree el método atribucionista.  El padre de este método será Giovanni Morelli, quien fue médico del siglo XIX, coleccionista y crítico de arte.  Creará el llamado método morelliano, que trataba de una clasificación de las obras según un método comparativo, fijándose en detalles morfológicos de las figuras (sobre todo anatómicos).

Para él, la mano de un artista se debe reconocer en los detalles secundarios (ojos, manos,…), usando el llamado “paradigma de los indicios” (se usaba en medicina).

Hablará de estilemas en cada artista, que deben ser conocidos por los connoisseurs y comparados.

Publicó varias obras, todas firmadas como Iván Lermolieff, que se dedicaban a estudiar colecciones italianas.

Se le consideró el creador de una nueva forma de catalogar, aunque se le criticó que fuera un método pobre.  Gracias a las atribuciones de los connoisseurs se han atribuido correctamente muchas obras a sus autores, pero no era un método riguroso.

Gracias a este método empezó a surgir el mercado del arte, la conservación y la valoración del patrimonio, así como la creación del experto en arte (“connosiership”), que será una persona que no estuviera vinculada a la academia y dotado de un ojo crítico, intuición y gusto.  Tendrá además que tener experiencia científica.

El representante de estos expertos será Berenson, quien se formó en humanidades y viajó a Italia, donde le cautivó la pintura renacentista sobre todo.  Aplicó en su estudio de pintura renacentista italiana el método atribucionista.

Publicó muchas obras, como: “Los pintores venecianos del Renacimiento” (1894), “Lorenzo Lotto” (1895), “Dibujos de los pintores florentinos” y “Pintores de la Italia Central” (1897).

Además, perfeccionará el sistema morelliano al introducir en él elementos formalistas, notas de psicología y purovisibilismo de la escuela de Viena.

Además, creará conceptos como los valores táctiles y el movimiento.

                También hará una obra titulada “Rudimentos del experto en arte” , de 1902.  Para su mejora del método morelliano, establece tres categorías de elementos morfológicos (añadiendo carácter psicológico):

- Elementos anatómicos, plegados de las ropas y paisajes

- Cabellos y contornos de las figuras

- Estructuras en movimiento de la figuras (color, composición, claroscuro,..)

Este método de Berenson será mejorado por Max Friedländer, quien publicó “El conocedor del arte” en 1929, y “La historia de la pintura holandesa del siglo XV-XVI”, de 1924-57.

Defiende un conocimiento intuitivo, basada en la sensibilidad del experto en arte (“empatía” con el artista).

                Berenson tendrá influencia en A. Venturi y Longhi.  Venturi publicó “Una monumental historia del arte italiano”, donde une método filológico y sentido intuitivo.

Mientras, Longhi mejorará el método haciendo un elogio al ojo que observa el arte, porque dice que tiene consciencia crítica.      

Hoy en día, el experto en arte no solo se vale del ojo crítico, sino que se debe usar métodos científicos para saber cómo trabajaba el artista.  Esto nos permite valorar el cuadro y mirar si es falso o no, además de ver las restauraciones, añadidos,…

Sin embargo, el experto será quien interprete estos datos y los contextualice.

Este experto tendrá que usar también el método filológico para buscar fuentes de la obra de arte (encargante, condiciones del encargo,…)