En el siglo XIX, dentro de la vuelta a lo clásico (con el descubrimiento de Pompeya y Herculano) y el gusto por Italia, nace la disciplina de la Historia del Arte, además de las etapas artísticas.  Nacen también las primeras medidas de protección y restauración, recuperándose la figura del director de monumentos.         

Roma será el centro de restauración arqueológica, donde los Papas serán quienes promuevan la política de intervención en los monumentos.  Los Papas más importantes serán:

Pío VII, el cual dará un edicto pionero que protege bienes arquitectónicos del dominio Vaticano.  Será también quien establezca el cargo de Inspector general de Bellas Artes.

León XIII, quien inicia reconstrucción de edificios destruidos por terremotos e incendios.  Creará un texto para los arquitectos restauradores que habla de lo que deben hacer en la intervención ( prohibición de cualquier innovación, actitud conservadora).

(Hay diferentes teorías de restauración, que diré a continuación) 

Restauro arqueológico

Del texto de León XIII deriva esta doctrina, basada en la recomposición del edificio valiéndose de sus partes originales y permitiendo introducir elementos, anteriormente estudiados.

Sus mayores teóricos y prácticos serán Stern y Balladier.

Sus características serán:

Diferenciación entre lo nuevo y lo antiguo.

Uso de metodología rigurosa, basada en historia y arqueología, además de las excavaciones.

Anastilosis.

Se puso en práctica en foros romanos y en el arco de Tito y en el Coliseo.  Las intervenciones en el Coliseo son de 1807, con Stern, consolidándose un lateral ruinoso, y 1826 con Balladier.

Mientras, la intervención en el Arco de Tito será entre 1818-1822 por ambos restauradores, quienes lo consolidaron y lo reintegraron en algunas zonas.

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Es una cerámica de Claire, como le gusta que le llamen a Grayson Perry. 

Es un travesti que hace cerámica un tanto curiosa, con temas como la sexualidad, la pedofilia o el machismo, escenas pornográficas…se supone como crítica a todo eso.

Supongo que será la modernidad en la cerámica, no dejando de ser interesante cómo plasma los problemas de la sociedad según su punto de vista.

La imagen es una de sus cerámicas y él vestido de niña.

Esto ya es la bomba.  Ahora resulta que quieren equiparar el striptease a la danza.

Parece ser que en Noruega los jueces han decidido que esta "modalidad" sea arte y se juzgue como tal.  Por ello, ahora resulta que las stripears son artistas.  ¿No os lo creeis? Pues lo podéis ver aquí .

Bueno, la verdad es que es un baile como cualquier otro, pero no se yo que pensar sobre esta medida…

¿Vosotros qué opinais? 

Era una dama vagabunda.  Una gata callejera.  Una perra olvidada de pena.  Lastimada en su frágil realidad, vive el tiempo apremiada por un viento que azota su melena.  En su inestimable sonrisa, alberga un corazón de artista, que muchos han querido dañar.  Pero esa gata vagabunda…esa dama callejera…esa perra recordada por su alegría eterna…nunca ha dejado atravesar su corazón de mimbre y tierra.  Cinismo dulce en su paladar, sus palabras lo vierten indicando al oyente su fino gusto por orar, delicado oído para escuchar y su inteligencia astuta para pensar.

En ella encuentras además de poeta, una gran compañera, una amable sirviente de sonrisas, una lágrima cuando se necesita y una mano a la que aferrar.  Una mano, una lágrima, una amabilidad, que hacen de ti una amiga y no una conocida en la que no poder confiar.

Nuevemil lágrimas de acero que traspasan el corazón de mil muertos antes de caer al suelo del olvido. 

Nuevemil sonrisas de bronce y oro que arrancan el alma a cualquier vivo que logre encontrar su espíritu escondido.

Más que cuerpo, vagas por el cielo, con el fin de buscar algo nuevo.  Pero el pasado llama a tu puerta y tu abres confiada, porque Nuevemil de acero y oro se deja confiar.  La daga, aquella que escondiste, vuelve lentamente a rasgar tu cuerpo.  Y una vez más Nuevemil de acero y bronce cae en el remolino del recuerdo porque nunca ha podido olvidar.

Tras pena y gloria recompuesta, te crees muerta y estás tan viva que pareces brillar.  Hoy, la sonrisa clara, la mustia mirada, ha corrido despavorida para dejar tu rostro espléndido, lleno de regocijo y quizás miedo, ante tanta felicidad.

Esclava de tu pasado, hoy ya las cadenas tornan guirnaldas para vivir tu propio presente.

Nuevemil de acero y bronce se convierte en Nuevemil rosas, que jamás nadie volverá a marchitar.

(para mi grandísima amiga Nuevemil)

¿A que no sabeis de que está hecha?

Vale, viendo el mar de fondo y el suelo es bastante fácil…sí! se trata de una escultura en arena.  Impactante, ¿verdad? Sobre todo los pliegues de las manos…

Seguimos hablando de escultura, esta vez para hablar del siempre impresionante Laocoonte.  Ha sido uno de los referentes clásicos más admirado por todos los artistas del mundo.  Su mezcla entre agonía y delicado trabajo hace que sea una de las grandes obras de arte de todos los tiempos.  Pero…¿quien era Laocoonte?

En la famosa guerra de Troya, había un sacerdote de Apolo que, a la llegada del famoso caballo de madera tributo de los aqueos, quiso impedir que éste entrara en la fortaleza esgrimiendo que podía haber soldados dentro de él.

Sin embargo, no fue tomado en serio (con las graves consecuencias que eso tuvo) y él mismo intentó prender fuego al gran regalo aqueo.  Por su herejía, los dioses le enviaron grandes serpientes que devoraron a sus hijos y a él mismo.  No en vano, ya sabemos por los textos clásicos, que los dioses eran los que "partían el bacalao" (si se me permite la expresión) en las guerras y en todos los tejemanejes grecolatinos.

Según varias hipótesis, este castigo se pudo haber dado porque según el culto a Apolo, los sacerdotes no podían casarse ni tener hijos.  

Lo más desgarrador es sin duda cómo fue representado para la posteridad.  La original se esculpió en el año 50 d.C. por la llamada escuela de Rodas.  En el rostro, se expresa el dolor de un padre que pierde a sus hijos, mezclándose rabia, impotencia y un grito sordo que te desgarra.

Cuando fue descubierta se había perdido el brazo, que más tarde se recuperó y se pudo observar que estaba doblado, confiriéndole al grupo escultórico mucha más importancia.  No en vano, es una de los modelos a seguir a artistas de la talla de Miguel Ángel por su trabajo en bulto redondo y su movimiento. Y para incluso pintores, como la imagen que os pongo, que es El Greco.

¿Más ? 

Una vez más, os voy a hacer un poco pensar, que dicen que es bueno.

Imaginaos que entrais a un museo o galería de esculturas.  Una os llama la atención en especial.  Se trata de un hombre de pie.  ¿Cuántas vueltas daríais para observarla? ¿Le daríais la vuelta?

Y es que una escultura no solo hay que verla desde un punto de vista.  En los primeros tiempos del arte, las obras se dejaban inacabadas en la parte posterior porque no se daba importancia a dicha zona.  Se restringía la vista a un solo lado, donde se concentraban todos los elementos.  Por ello, la vista se denomina frontal y, como características, las esculturas solían ser rígidas, hieráticas.  Un buen ejemplo lo tenemos en las numerosas figuras egipcias de la época preclásica.

Sin embargo, muchos ejemplos ya se daban en el arte precolombino, como las grandes cabezas olmecas o el famoso luchador olmeca , cuya disposición extravagante hace que el espectador tenga que rodearle para su correcta observación.

Y es que el hombre ha querido ir más allá.  En Grecia ya se dieron los primeros pasos para que la escultura tuviera varios puntos de vista, para que se pudiera rodear.  

Sin embargo, con la Edad Media se perdió ese gusto para subrayar la idea de lo religioso.  Esto no quiere decir que no encontremos características curiosas, como se puede ver en la figura de Cristo crucificado, que tiene en su lateral una siempre interesante vista.

Con el Renacimiento, saltaron los cánones anteriores y se dio una vuelta al ideal de escultura con diferentes puntos de vista.  Son las más representativas, las que conocemos.  Esas que nos quedamos embelesados mirando todos sus puntos de vista.  Porque…¿quien no ha dado la vuelta al David de Miguel Ángel? Igual de interesante sus posaderas que el resto de su anatomía, igualmente con un trabajo semi divino y que no escatima en detalles.

A partir de ese momento la escultura deja de tener un frente, para convertirse en varios frentes, en vistas simultáneas.  Se puede enrollar, se puede salir del marco dejando al aire parte de sus miembros,..

Y es que, el ser humano, intenta con ello hacer que la escultura se vuelva más natural, confiríendole movimiento, algo reflejado en cada una de sus perspectivas. 

Aprovechando que mi empresa ha editado una revista que habla sobre eso y la actual restauración, voy a hablar de la casa Solans (bueno, en realidad casi me lo copio íntegro de una forma muy vil y malvada, porque está muy bien :D).

La casa Solans fue realizada desde 1919 a 1921 por Miguel Ángel Navarro Pérez sobre la base de una casa de campo, pero no fue habitada hasta el año 1926 por la viuda de Juan Solans, Rafaela Aísa.  Se situó en la Avenida Cataluña de mi ciudad, Zaragoza.

Su estilo es ecléctico, en la línea del palacio de Larrinaga, usando para ello materiales como el cemento armado, el ladrillo y decoración en azulejo.

La fachada principal da a la Avenida Cataluña y está formada por dos cuerpos.  El elemento de la izquierda está flanqueado por dos grandes pilastras de ladrillo y tenía en él varios vanos decorados.  Todo se remata por un frostispicio circular con el escudo de la familia Aísa realizado en cerámica.

El cuerpo de la derecha, de menor altura, tenía cuatro paneles de mosaicos separados por tiras verticales de ladrillo con cuatro signos del zodiaco representados que aluden al inicio de las cuatro estaciones.

Su interior está articulado por dos fachadas que dan al jardín unidas por un chaflán curvo y decoradas con grandes ventanales.

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No tengo palabras para esto.

Se supone que es un faisán, hecho por Meyer Vaisman en 1993.

En serio, no se me ocurre qué comentar.

Si a alguien se le ocurre es agradecido el comentario :D