Seguimos con la Semana gore…La primera vez que en toda mi vida oí la palabra “jívaro” fue viendo la película Beetlejuice (grandísima peli, por cierto). Me llamó mucho la atención y, aunque era muy pequeña, me quedé con el nombre hasta que pude ser más mayor y entender a este pueblo.

En el Amazonas, a parte de otros muchos pueblos, están los Shuar. Nosotros los conocemos más por los Jívaros (nombre dado por los españoles) y los conocemos más aún por su costumbre de cortar la cabeza de sus enemigos y reducirla.

Se trata de un pueblo que originariamente estaban situados en la parte del Amazonas ecuatoriano, hacia el Oeste de la gran Cordillera. Su economía se basa, como muchos otros pueblos, en la agricultura, ganadería y caza.

Como ya he comentado, lo más característico es su ceremonia de reducción de cabezas. A este ritual se le llama “tsantsa”. Estaba ligado estrechamente a su religión, que se asentaba en la creencia de que había tres almas: neka, la arutam y la muisac.

El alma “neka” es la innata, mientras que la “arutam” es la que se debe adquirir en un proceso muy largo. La última es la más relacionada con la ceremonia “tsantsa”, ya que se desarrolla en la cabeza.

Para ellos, el alma “muisac” reside en la cabeza de los enemigos, que una vez muertos, pueden volver para vengarse. Por ello hacen el proceso de reducción de cabezas y colocarlas como trofeos.

La reducción de cabeza o ceremonia del “tsantsa” era un proceso largo y trabajoso, dentro de una celebración mágica en la que se debían recitar canciones rituales. Primero, se cocían los párpados y se tiñe la piel de negro, para que permanezca su espíritu en la oscuridad. Los huesos del cráneo se deben retirar, mientras que los ojos y los dientes también se quitan (se lanzan a las anacondas de los ríos, que son animales sagrados).

Una vez que se hace eso, se hace un corte en la parte posterior del cráneo donde se coloca un lazo y se envuelve la cabeza en una tela y se guarda en un frasco de barro.

Una vez hecho, esto, empieza el proceso de reducción. La cabeza se debe desollar (quitar la piel, se entiende) por lo que hace un corte en la parte posterior y separa la piel parte por parte. Luego, meterá la cabeza en agua hirviendo para no perder el pelo, dentro de una olla con un jugo de liana o chinchip (según ellos).

Como todos sabemos, en agua hirviendo las cosas encogen, por lo que la cabeza pasado el tiempo empezará a encogerse. Hasta que no se vea que se ha reducido considerablemente, no se saca.

Una vez reducida una parte, empieza a raspar su superficie y cose los orificios de los ojos y de la parte posterior. Para que la cabeza no se deforme, se introducen unas piedras calientes por el orificio del cuello y se quema el vello del rostro.

Posteriormente, se cierra el agujero del cuello y por la boca, se rellena la cabeza con arena caliente que al enfriarse se vuelve a sacar. El uso de la arena caliente permite que se puedan moldear los rasgos y, al secarse, se preserva para su conservación.

Una vez realizado eso, se cosen los labios y la piel se tiñe de negro, para que así no puedan ver y estén en la oscuridad.

Estas cabezas son un trofeo (en las celebraciones los guerreros se las colocaban como collares porque así expresaban que eran grandes guerreros) y además con su reducción,encerraban el espíritu del enemigo en ellas.

PD. Más información deja tu comentario

Asiduamente, hablando con un amigo informático, sale el tema del GNU . Para los simples mortales que no sepan lo que es, digamos que es un sistema operativo con licencia libre, como Linux (rival de Microsoft). Es decir, tú puedes coger el código, copiarlo, modificarlo y usarlo. Para ello se creó la etiqueta “copyleft” (a diferencia del copyright). Este software “libre” normalmente tiene una licencia llamada GPL , es decir de uso general y libre.

Bueno, sí, lo he resumido muchísimo. Lo siento por los informáticos, pero ante todo decir que yo no lo soy..y sé que muchos me van a comer por lo que voy a decir a continuación.

Con esta filosofía se quiere formar un a modo de comunidad donde los participantes puedan intercambiar la información y que no se produzca el monopolio de los datos (como hace Bill Gates, por ejemplo).

Extrapolando el tema al arte, como me gusta hacer, vamos a hacer pensar..

Podemos deducir que el artista (lo llamaremos artista GPL) es el creador de una serie de códigos, que los aplica en una fórmula, que es el lienzo (pongamos lienzo como ejemplo, puede ser otra cosa..). Si bien este lienzo es su obra, parte de su creatividad se verá reflejada en él.

Sin embargo, el artista GPL plasma en su lienzo una parte de su intelecto que, llegado el momento, será modificada por otro artista GPL. Y así sucesivamente..

Entonces, ¿qué es lo que queda del artista? Su idea principal quedará desfigurada por lo que otros quieran hacer con ella, ya no será su obra, será un proceso infinito de ideas plasmadas.

Por poner un ejemplo práctico. Miguel Ángel hacía un dibujo (maravilloso seguro, como todos). De repente, un artista mediocre (pobre hombre, pero comparándolo con Miguel Ángel…) usa su código fuente (su idea) para plasmar su concepción.

¿Dónde está el límite? ¿Dónde está la creatividad? ¿Quien se lleva la fama, por así decirlo? Si tenemos en cuenta que el boceto principal lo tuvo Miguel Ángel, entonces será el artista. ¿Pero es menos artista el que hace la copia?

Se produce un resquebrajamiento de todo lo que hemos pensado hasta ahora. La Idea (ese concepto de la Ilustración) desaparece, el artista queda diluido. Lo que importa no es la autoría, sino la realización.

Es más, si el artista GPL únicamente usa las ideas de otros (o códigos, como lo queramos llamar) para su creación final..¿estaremos ante algo moral? ¿Podría venderlo como suyo propiamente dicho?

Es decir, en el mercado del arte lo que prima (desgraciadamente) es la firma del artista. Lo vemos en las subastas, donde cuadros de Picasso llegan a precios desorbitantes. No porque sean buenos, que lo son, sino porque es él.

Por lo tanto, si el artista GPL plasma su firma en una idea que ha obtenido, copiado y modificado de otro artista GPL, no es propiamente su obra. ¿Sería legítimo que la vendiera?

En la filosofía GPL está el hecho de que no tiene por qué venderse ni ganar dinero con lo que se hace, sino que el código que se modifica es para que todo el mundo pueda usarlo. Sin embargo, puede llegar a darse el caso de que un empresario tomara esa idea y la vendiera, ganara millones.

Lo mismo sucede pues con el arte. Un artista GPL puede llegar el caso de vender su arte, ganar dinero, a costa del sufrimiento y el esfuerzo de otros. Por lo tanto, no es algo muy moral, pero en esta sociedad ya sabemos lo que pasa…

Sería como una cadena entonces, sin final. El artista GPL tendrá que hacer GPL, para que el siguiente vuelva a hacerlo. Entonces, la obra nunca estaría completa, sería un proceso infinito.

Ahora bien, un pintor llegado al caso ¿debería seguir esa cadena? ¿la podría romper? Si la rompiera conseguiría que la obra estuviera conclusa y ganaría el reconocimiento de dicho trabajo. Pero estaríamos ante la duda de si es suyo o si es dentro del proceso de creación GPL.

Y, como he comentado, estaría la incertidumbre de la creatividad. Al artista se le dejaría de ver como una persona que CREA, sino que sería un individuo que MODIFICA algo creado. Estaríamos abandonando años de progreso en cuanto a la valoración del artista en la sociedad. Ya no sería un creador, sino un mero artesano de un código modificado.

Bien, estupendo. Nos cargamos a todos los artistas. Pero ¿qué haces maravillándote por una obra de Velázquez? ¿no decíamos que debía ser el sistema libre, que la autoría no importaba? ¿por qué te parece una atrocidad coger un grabado de Goya y aplicarle tu idea estética en él ? A veces todo no es blanco o negro. Los matices únicamente los pones tú.

Y si me pides mi opinión, te diré que me gusta la idea de los códigos libres, pero desgraciadamente, como ya he dicho, esta sociedad es competitiva, ambiciosa y cruel. ¿Podremos hacer que tipos como Bill Gates dejen su imperio monopolista y vendan su código fuente por el progreso de la humanidad?

Quizás si el mundo volviera a nacer podamos moldearlo mejor, evitando nuestros errores del presente..

Hace unos días fui a ver al Teatro Principal de mi ciudad a la Fura dels Baus, en su versión de La Metamorfosis de Kafka.

Hacía ya algún tiempo que no había ido al teatro, por cosas de economía y falta de tiempo, así que fue doblemente satisfactorio. No había cambiado nada, creo que siguen las mismas grietas que siempre, una lástima porque la verdad es que es muy bonito.

La sala estaba llena y sorprendía la cantidad de gente joven que ibamos a verla, aunque la gran mayoría seguían siendo personas de mediana edad (que realmente son los que económicamente se lo pueden permitir).

En cuanto empezó la obra todos supimos que no iba a ser una obra de teatro convencional. No en vano, es la Fura dels Baus, que siempre se ha caracterizado por sus puestas en escena espectaculares y su combinación de teatro clásico con nuevas formas de dramaturgia (incluyen video, marionetas, movimiento,..). Así que nadie se espere que entren los actores, hagan su papel y ya está. La fura va más allá, hace que el espectador se sienta totalmente inmerso en la obra de teatro. Y ese es parte de su encanto..

La puesta en escena era muy simple, giraba en torno a la habitación de Gregor,a modo de jaula de cristal. Los demás personajes se disponían a su alrededor, entrando y saliendo de escena.

Por otro lado, como ya he comentado, se intercalaba la acción con videos que no cortaban la acción, sino que proseguían con la narración y que casaban perfectamente con el discurso (por ejemplo, hubo un momento en que los personajes de la obra se sentaron en la sala a modo de espectadores de una película e interactuaron entre los espectadores reales).

Como conclusión, hay que señalar que la obra no intenta ser una copia exacta del original de Kafka. Esto es entendible, si nos ponen en escena a una cucaracha a modo de Gregor la verdad es que a mi me hubiera dejado un poco perpleja. Por eso, lo que han usado es la obra de Kafka como punto de orígen, para hacer su propia visión de la existencia humana.

La vidriera,como las demás artes decorativas, ha sufrido a lo largo del tiempo una evolución tanto técnica como de valoración. La forma de construirlas ya se había creado en la Edad Media y se seguirá con este sistema hasta el siglo XX, aunque se irán introduciendo elementos nuevos, como el corte de los cristales con punta de diamante.

En cuanto a la valoración, los ventanales de colores en la Edad Media tuvieron mucha importancia gracias a la simbología que confirieron al interior de la iglesia. Sin embargo, es en el siglo XIX con movimientos como el modernismo cuando la vidriera llegará a su momento más asombroso.

Por último, hay que tener en cuenta que podemos encontrar similitudes entre los diseños de los ventanales emplomados y el arte del siglo XX. Por ejemplo, vemos los mismos motivos en cuadros de Mondrian y en la vidriera de Lloyd Wright. Incluso en el cubismo existe la misma distribución de imágenes.

La vidriera es, sin duda, una de las artes más impresionantes y reconocibles de toda la Historia del arte, algo que ha hecho que en la actualidad su uso siga adelante, como se puede ver en cualquier cristalería. Quizás se debe por su belleza o quizás por el encanto del trabajo artesanal.

Ayudará este reconocimiento a la mejor defensa de las mismas, aunque siempre habrá futbolistas que destrocen alguna.

 

Los orígenes de la vidriera

El verdadero punto de origen de la vidriera sería el descubrimiento de la caña de vidriero, hacia el año 40 antes de Cristo, en Siria o Israel. Esto ayudaba a crear láminas de vidrio al soplar el cristal mediante este instrumento, sistema que seguirá usándose en la Edad Media. Además, la influencia de los romanos contribuyó a una extensión del trabajo del vitral en el medioevo. Ellos habían usado este material para realizar cerámica, como ocurre con el vaso de Pórtland.

Los ejemplos que encontramos de vidrieras en iglesias cristianas tienen una fecha muy temprana, quizás anterior al siglo IV. Probablemente fuera motivado por la estética-mística de la luz, ya relatada en los Evangelios. De estas primeras vidrieras no tenemos ejemplos completos pero sí se han encontrado fragmentos, como los de San Vital de Rávena, del año 540.

Sin embargo, serán en época medieval y más concretamente en el período Gótico cuando se produzca su gran esplendor. Esto viene dado porque se le confiere a la vidriera un carácter religioso-místico que hace sea un elemento de unión del fiel con Dios.

La vidriera era confeccionada por un taller especializado que podía ser itinerante o situarse en una catedral.

Para hacer las vidrieras se necesitaba primero un diseño o cartón, realizado en una escala menor al ventanal. Éste se llevaba más tarde a un papel, pergamino o tablero enyesado que debía tener las dimensiones requeridas.

Una vez hecho el primer paso, se debían cortar los cristales, que al soplarse tienen la forma de una burbuja que luego se corta. La técnica empleada era el uso de puntas de hierro incandescentes, como era el suavizador de juntas de hierro. Este objeto era una herramienta de hierro que tenía una llave en uno de sus extremos y que servía para atravesar los vidrios.

La siguiente etapa será la coloración. Al principio el color se conseguía yuxtaponiendo piezas para obtener colores por asociación. A este procedimiento se le denominaba “plaqueado”.

Sin embargo, la cuestión del color ha ido evolucionando a lo largo de los siglos. Las primeras vidrieras eran oscuras, ya que se usaba mucho más emplomado y colores más opacos; sin embargo, luego serán más claras, por el uso del amarillo de plata o de menos emplomado. El procedimiento tenía dos vertientes:

• Vidrios de color. Se consiguen mediante sustancias colorantes vertidas en la pasta vítrea fundida. A éstos se les llama “de mufla”, que viene del nombre del horno que se usa para hacerlos.
• Vidrios pintados.

A esto se unían otras técnicas decorativas:

• Grisalla. Se aplica sobre el vidrio para dar tridimensionalidad y para ello se usa un pincel de pelo de animal.
• Pintura de carnación. Como su nombre indica, servía para conseguir aspecto de carne y para lograrlo se usaba vidrio blanco, que luego se pintaba y completaba con grisalla.
• Esmaltes. Se usaban para dar sensación de riqueza, de joya.
• Amarillo de plata. Fue el gran descubrimiento del siglo XIV. Se usó en vestidos, pelo y arquitectura. Sería creado mediante nitrato de plata y es aplicado al vidrio blanco.

Después del color, se pasaba a la unión de la pintura y el vidrio; se realizaba en un horno o mufla, con una temperatura de unos 600º-620º, por una persona que conociera el oficio. A veces en este momento se podían incrustar vidrios, llamadas “gemas”, sujetadas por plomo.

El proceso siguiente sería el emplomado. Es la última etapa, cuando se unen los vidrios por tiras de plomo, llamadas “calmas”, aunque en las primeras vidrieras se usaba madera.

Estas “calmas” tenían forma de H para mejorar la sujeción del cristal y luego se soldaban. Para terminar se colocaban en armazones de hierro para ser instalados.

Evolución

En el período Románico el uso de las vidrieras estaba también extendido, aunque éstas serían de menor calidad que sus hermanas góticas. Esto pudo ocurrir al estar en vínculo con la pintura y la escultura de esta época. Ejemplos de ello se dan en la abadía de Wissembourg del siglo XI; en la catedral de Ausburgo, del año 1132; o en la capilla de Santa María y San Juan, en Weitensfeld.

Los ventanales se caracterizarán por el uso de marcos geométricos y por un estilo arcaizante, con líneas gruesas.

Posterior a este período nos encontramos ejemplos de vidrieras en los monasterios cistercienses. En ellos, según las convicciones religiosas promovidas por el Císter, no podía haber nada que perturbase la paz y la concentración de los monjes. Por eso, prohibieron la realización de vitrales coloreados, usando vidrieras monocromas de diseños geométricos y vegetales.

En el Gótico encontramos el momento más representativo de la vidriera medieval. Esta manifestación sufrirá una evolución, ayudada por el cambio del diseño de las tracerías y del triforio.

Será ahora el “inicio” de la vidriera, dentro de la nueva concepción de la iglesia que se crea. El abad Suger, de la abadía de Saint-Denis, deseaba realizar una remodelación de la iglesia para hacer notar en su aspecto la importancia que tenía para Francia, ya que San Dionisio era el patrón del país. Por ello creó una nueva concepción de la iglesia, siguiendo los principios de Pseudo-Dionisio, que hablaba sobre una vía anagógica que conducía a Dios por los objetos terrenales.

Será una nueva iglesia, luminosa (siempre que la comparemos con la época anterior) y como casa de Dios. Este ambiente irreal será el que ayuda al fiel a transportarse hasta lo divino.

Las doctrinas creadas en Saint-Denis se extenderán por toda Francia, como se ve en Notre-Dame de París, del año 1163. Esta catedral tiene gran importancia en la historia del arte porque fue aquí donde se creó el sistema de arbotantes para sujetar los muros. Como ya he comentado en puntos anteriores, las primeras teorías hablaban de que éstos cambios hicieron evolucionar la vidriera; sin embargo, ahora se sabe que fue al revés.

De este momento también son las vidrieras de la catedral de Noyon y las de Laon, entre otras. Mientras, en otros lugares también se extiende el uso de vidrieras. En Inglaterra esta primera parte del Gótico se llamará Early English, del cual el ejemplo más representativo es la catedral de Canterbury.

La siguiente etapa será el punto álgido de la vidriera; el denominado Gótico pleno o Gótico clásico y empieza a partir del año 1240.

El más importante conjunto de este período será la primera fase de la catedral de Chartres. Se seguirán modelos de Saint Denis, aunque ahora se da más dinamismo y un dibujo más marcado. Ejemplo de ello lo encontramos en el ventanal denominado Nuestra Señora de la Bella Vidriera, donde podemos observar las dos fases de realización de la catedral. La parte superior será en torno al año 1150, mientras que la inferior es de 1194.

Además, Chartres influyó en muchas catedrales franceses, como las de Amiens, Reims o Soissons.

Este gran esplendor continuará en el siglo XIII, gracias a las nuevas catedrales construidas en Francia.

Se caracteriza este instante por una apertura mayor en los muros, colocando ventanales de colores en nuevos lugares, como los triforios (ahora abiertos).
Los ejemplos más impresionantes los encontramos en la segunda fase de la catedral de Chartres y en la Santa Capilla de París. El primero, Chartres, sufrió un incendio en 1194, por lo que se quiere remodelar su interior, colocándose gran número de vidrieras.
Se darán aquí los cambios más representativos de la época, como la definición de la iconografía, la aparición del rosetón o la importancia del lugar en referencia a la colocación de las vidrieras.

El segundo ejemplo, la Santa Capilla de París, está fechada entre 1243 y 1248. El ciclo más importante lo encontramos en la planta superior, que se concibe como capilla-relicario, como un cofre decorado con piedras preciosas.
Se usan pequeñas imágenes unidas entre sí por diseños geométricos, método que tendrá mucha influencia después. Están concebidas como una unidad compositiva, aunque en su realización intervinieran diversos talleres, encabezados por uno que llevaba la organización. Además, se intenta plasmar el movimiento y el espacio en ellas.

Sin embargo, en esta época también encontramos otros ejemplos. Podemos verlos en Alemania, por ejemplo en la catedral de Colonia.

En la centuria siguiente, el siglo XIV, el vidrio se torna más claro y se descubre el amarillo de plata en torno a los años 1310-1330. Esto provocará que ahora la luz entre más blanca y que se de una mayor relación con la pintura en cuanto a la composición y narración de las vidrieras. Además, el emplomado irá disminuyendo, haciendo que las escenas sean más continuas.

Esta nueva técnica se puede ejemplificar en Italia, donde se desarrolló la tridimensionalidad. Unos modelos los encontramos en los cartones diseñados por Giotto.

Estos cambios técnicos provocarán a su vez una variación en la función, ya que la claridad de las imágenes permitía ver a través del muro, introduciendo el escenario real en la catedral. A esto hay que añadir que ahora se irá perdiendo la función simbólica de las vidrieras, algo que finalmente desaparecerá en la época renacentista.

El foco más relevante ya no será Francia, donde se habían dado hasta ahora todas las novedades, sino en nuevos centros artísticos como Austria o Alemania.

Esta evolución seguirá en el siglo XV, donde además tomará influencia de pintura italiana y flamenca; esto se ve en la importancia de los detalles y del dibujo, como vemos en diseños de Paolo Uccello.

En el siglo XVI se produce un declive de este arte, acelerado quizás por el comienzo del Renacimiento, que propugnaba la pintura mural en vez de los vidrios coloreados en las ventanas. Esto se producirá por un nuevo cambio estético, del que hablaremos en el capítulo siguiente.

Serán ahora vidrieras más vinculadas con la pintura, disminuyendo el emplomado y continuando con el proceso de aclaración. Ejemplos de ello están en la catedral de Tournai o en el King´s College de Cambridge.

Sin embargo, en otros lugares donde perviven las ideas góticas, como en España, se seguirán construyendo catedrales y vidrieras.

(continuará en breves )

 

Hace unos días descubrí lo que será mi próximo amor..no es un hombre, es un videojuego! xD Dejo aquí una demo del mismo, para que vayais degustándolo..

Se trata del Spore, de Will Wright (el creador de Los Sims). Ah! Y quien dijo que los videojuegos no son arte, es que no ha visto las últimas creaciones.

Una maravilla del diseño, la creatividad y la imaginación..

Hace unos días, hablando con un colega, me dijo que a él el fútbol no le gustaba. Bueno, a mí la verdad es que me entretiene bastante aunque no sea una forofa.. El caso es que me dijo que a él no le gustaba porque se movía muchísimo dinero para poca cosa que hacían (bueno, objetivamente, es verdad). Yo le pregunté que si le gustaba el arte. Me contestó que sí. Y le dije, y en qué se diferencia el dinero que mueve el arte que el dinero que mueve el fútbol? La verdad es que pensándolo fríamente el arte y el fútbol no se diferencian tanto. Los dos son un medio de “entretenimiento” y dan emociones al espectador. Incluso los dos mueven muchísimo dinero.. Entonces, ¿a qué es lo que quiero llegar? Si decimos que el fútbol mueve mucho dinero hay que pensar en la cantidad que mueve el mercado de arte. Sin embargo, ¿todo el arte es para buscar dinero? Por favor, que alguien conteste que no, porque habré tirado por la borda mi vida. Está claro que el mercado es el mercado, es decir, actualmente hay artistas modernos que solo buscan el dinero y el reconocimiento, Aunque esto no es algo nuevo, ya lo hizo Pollock a mediados del siglo XX. Esto mismo pasa con muchos futbolistas, que solo buscan el dinero pero…lo hacen todos? Hay quien pone el mismo sentimiento en el campo que un artista en un lienzo, un escultor en un bloque de piedra o un artesano en un trozo de arcilla. Es más, nosotros somos los que hemos creado toda la parafernalia del fútbol o del arte. No es que el arte en sí mismo conllevo mucho dinero detrás o el fútbol. Nosotros, viendo los partidos, yendo a los partidos, coleccionando cosas..somos los que hacemos que se mueva todo el dinero. No es el problema del medio, sino de la gente que construye ese medio. El fútbol y el arte mueven dinero porque nosotros hemos querido que fuera así… Bueno, esa es mi opinión

Hace un año aproximadamente me pidieron en una asignatura de la carrera que hiciera un trabajo de investigacion en relación con el arte japonés. No tuve dudas, sería de él. Quizás hubiera sido más fácil hacerlo de otro, pero la primera vez que vi una de sus películas me enamoré de su cine como si fuera una niña de cinco años. Recuerdo que fue “Mi vecino Totoro“.

Sí, me refiero a él. Al señor Hayao Miyazaki.

En mi angustioso búsqueda de información pude comprobar que no hay ningún libro monográfico publicado en español, por lo que tuve que recuperar mi inglés olvidado para embarcarme en la odisea de descubrir cosas sobre él. Esta odisea ahora la escribo aquí, para que vosotros no tengais esos problemas. Por supuesto, aquí voy a hacer un resumen, cualquiera me lo puede pedir sin ningún tipo de problemas que yo se lo ofreceré. Miyazaki nació el 5 de enero de 1941 en la ciudad de Akebono-cho, en el distrito de Bunkyo-ku, de Tokio. Fue el mediano de cuatro hermanos, Arata, Shirou y Yutaka, dentro de una familia adinerada. Su infancia estuvo ligada siempre a los aviones, ya que su padre era el director de las aerolíneas Miyazaki, propiedad del tío de Hayao. Tuvieron un papel fundamental en la II Guerra Mundial. Este hecho fue trascendental en la vida de Hayao Miyazaki, puesto que como vemos en sus películas, su cine está muy ligado al hecho de volar, así como el tema de la violencia y las armas, que lo trata de forma ambigua.

Tras una formación en el instituto, pasará a la Universidad de Gakushuin, donde segraduará en ciencias políticas y economía. Será allí donde conozca a su mano derecha: Isao Takahata. Ambos formarán en los años 80 los estudios Ghibli, para la producción de la película Laputa Castle in the sky.

Eligieron ese nombre porque el término Ghibli alude a un tipo de viento del Sahara y también tiene reminiscencias al apodo que usaban los italianos para hablar de los aviones de exploración del Sahara en la II Guerra Mundial. Sin embargo, la película inagural del “estilo Ghibli” será Nausicaä del Valle de los Vientos. Será el inicio del constante éxito de la productora. Paralelo a esto, la fama nacional e internacional se corrobora con la apertura en 2001 del museo Ghibli, en el Mitaka Inokashira Park. Fue diseñado por el propio Miyazaki, siguiendo sus ideas de respeto a la naturaleza. En él se pueden disfrutar varios cortos inéditos: “Mei and the Kittenbus“, “The Whale Hunt” y “Koro´s big day out“. Rasgos de sus películas Su filomografía se nos presenta como un producto casi perfecto, con gran complejidad técnica, que difiere mucho de la producción para series de televisión o video. Sus obras están llenas de optimiso, de alegría de vivir. Su público es amplio, pero en gran medida es el sector infantil y juvenil al que va dirigido, para que puedan crecer con esperanza. Quizás la única película que se aleje de todo esto sea La princesa Mononoke. Intimamente relacionado con sus películas está la técnica que usa para realizarlas. Siempre ha sido partidario del dibujo a mano, pero desde Pom Poko empezarán a usar el sistema digital. Al principio lo usaban unicamente para efectos visuales pero será a partir de La princesa Mononoke cuando su utilización sea sistemática.Miyazaki y el mundo Sus películas se han convertido en hitos dentro de la historia del cine, tanto nacional como internacionalmente. Por poner un ejemplo, cuando se presentó La princesa Mononoke su producción había costado la friolera de veinte millones de dólares, siendo la película más cara hasta el momento. Fue un éxito rotundo, desbancando a ET de las listas de películas más vistas de Japón. Sin embargo, tiempo después fue destronada por Titanic, aunque El viaje de Chihiro recuperará el puesto. En otro orden de cosas, se ha convertido en un aliado en el mercado de juguetes de su país. ¿Qué niña japonesa no tiene un peluche de Totoro? Yo soy de Zaragoza y lo tengo. Además, hay libros, guiones, libros de dibujos previos, es decir, todo un mercado a su alrededor. Os pongo un link para ayudaros a buscar. Y por último, hay que destacar sus premios y reconocimientos oficiales en el mundo, como pueden ser el Oso de oro a la mejor película en la 53º Edición de la Berlinale, por el Viaje de Chihiro; el Oscar en 2003 por la misma película; o el León de Oro en la 62 muestra de Venecia, a su carrera.