Por aplicación o incrustación.  Se recorta el motivo y se aplica.  Según el material usado tiene distinto nombre:

Raden (nacar o madre perla, adherido a la laca).  Se inventó en Japón

Heidatsu (incrustación o aplicación de metal)

Tsuikin (laca en tela se recorta y se aplica)

Decoraciones esculpidas.  Distintas posibilidades:

Choshitsu.  Técnica china que era que aplican capas de laca sobre el objeto y luego se labra.

Kamakurabori.  Se labran los motivos en la madera y luego se laca

Kimma.  Se incide sobre la laca y luego las incisiones se rellanan con lacas de otro color.

Chinkin.  Se incide y se rellena con láminas de oro.

Técnicas pictóricas.  Según sea el material de la técnica se llama de una forma u otra:

Urushi-e.  Con un pincel se pintan motivos de otro color.

Yushoku-e. Pintura a base de aceite y colorantes.

Mitsuda-e

Kingin-dei-de.  Como antes pero añadiendo polvo de metal.

Maki-e.  Generalmente, los motivos se dibujan con pincel y la laca es de distinto color que el fondo.  Una vez trazados los dibujos, se esparce polvo de metal sobre el motivo ornamental sin secar (se aplica soplando por tubito).  Después, se seca y se elimina el polvo sobrante y luego se cubre de distintas maneras.

Hisimaki-e.  Solo sobre el motivo ornamental aplica capa de laca.

Togidashimaki-e.  Se aplica sobre toda la superficie del objeto capas de laca, luego se pulimenta todo y el motivo se queda a igual nivel.

Decoración de los fondos. 

Fundamentalmente hay cuatro técnicas:

Ikakeji.  Polvo de oro en todo (no se ve fondo) más capa de protección

Nashiji.  Se usa un polvo muy fino, viéndose el fondo de la laca.

Hirame.  El polvo de oro es más grueso

Okihirame.  Se usa granos de polvo aplicados.

Evolución en el tiempo

En la PREHISTORIA, la laca se practicaba, es decir, es un arte propio de Japón.  Los objetos que se encuentran en este momento son muy funcionales (los vasos, cuencos, sarcófagos kofun…), realizados en madera o cerámica y con tonalidades de negro, rojo o combinando las dos.

Parece ser que en principio se usó solo para proteger los objetos, pero tambíen se piensa que hubo intención estética (por el uso del color y la bicromía).

Durante los PERIODOS ASUKA, HAKUHO y NARA, se enriquecen las artes en general, marcadas por influencia del continente.

En el periodo Hakuho y Nara se hacen más lacas que anteriormente.  Esto se debe a que se pone de moda tener objetos bellos en la vida cotidiana (sobre todo entre los Uji).  En el siglo VII se fundó una fábrica imperial, para objetos de la Corte.

Se obligó a determinados terratenientes que cultivaran el árbol de laca y se pagaron los impuestos con laca.

De este periodo han quedado muchas tumbas, templos…pero lo más importante es el tesoro del Shosho-in, un edificio del Today-ji.  Allí se guarda y permanece la colección de arte del emperador Shomu, que hizo traer por la ruta de la seda objetos de diversos lugares (incluidas lacas).

También en este momento se dan más tipologías de objetos para lacarse, como relicarios, esculturas, pequeños objetos…  Y también se crean nuevas técnicas decorativas, como la ornamentación de objetos cotidianos con la técnica de incrustaci´n de nácar.

Ya en el periodo Nara son los primeros que incrustan metales, vidrio o nácar sobre la laca.  Las composiciones ornamentales serán nuevas y son composiciones naturalistas, descriptivas, predominando los motivos vegetales y animales.  Usan una disposición sencilla y ordenada de los motivos.

Todo esto será influencia del arte chino.

En el PERIODO HEIAN, Japón saca a la luz sus valores propios.  Es una época marcada por el refinamiento y gusto artístico de la sociedad, potenciado sobre todo por la familia Fujiwara.  Por eso mismo se desarrolló muchísimo el arte de la laca, porque había una gran demanda.

Se producen muchas novedades en esta época:

Se multiplican los muebles lacados

Se aplica también a la arquitectura (exterior e interior)

Técnicas: siguen las tradicionales, pero se utiliza de manera más frecuente las maki-e.  Se sabe que esta técnica fue usada ya en época Nara, pero aquí se purifica y se domina.

Los motivos ornamentales se disponen de manera asimétrica y son tratados con más simplificación.

Un ejemplo es la Laca Tebako, del siglo XII.  Sus motivos exteriores e interiores no concuerdan, porque al exterior lo decora con ruedas? y al interior con pájaros.  Tiene mucho dinamismo.  Usa la técnica de incrustación de nácar y la técnica togidashi maki-e.  Es un tesoro nacional.

Durante el PERIODO KAMAKURA, el país es dominado por el Shogun (Minamoto no Yoritomo), que sustenta su poder en los samurai.  Es una sociedad militarista y en algunos aspectos menos vemos austeridad y sobriedad en el arte (algo que se ve también en las lacas).  Vamos a ver también gusto por lo ostentoso (el oro).

Se aprecia en las piezas realismo y en la laca vemos paisajes, ceñidos a la realidad, y también se quiere dar tendencia a la tridimensionalidad y a los valores táctiles.

En este momento se usan nuevos tipos de objetos para lacar, como útiles de guerra, monturas, kogos (bastones para el incienso, ya que en este periodo se introduce el budismo zen).

También hay nuevas técnicas, como la ikakeji (fondos totalmente cubiertos de polvo de metal), hiramaki-e (solo superficie ornamental con laca) y takamki-e y kamakuabori??

Ahora empezará a haber relación entre los motivos ornamentales del interior y del exterior del objeto; predominarán los paisajes realistas, …

En el PERIODO MUROMACHI, llegan al poder los grandes señores militares, que serán mecenas de las artes y quieren evocar el refinamiento del periodo Heian.  En el mundo de la laca serán unos años muy fructíferos.

Empezarán a aparecer nombres propios de los lacadores e incluso algunos firman (como Koami, por ejemplo). 

En este época habrá una nueva influencia china, ya que se coleccionaban objetos chinos.

Además, se consolida la fuerza del budismo zen y se crean nuevos objetos, vinculados con la ceremonia del té.

Se crearán nuevas técnicas, como la técnica de tallado sobre laca, la de rellenado de oro (ambas de influencia china) y la Negoro (japonesa).

Para la decoración, se dan nuevos motivos ya que se pone de moda los motivos chinos (por ejemplo, mujeres bajo el árbol, animales fantásticos…).  Sin embargo, se dan motivos de la literatura tradicional japonesa o la ilustración de poemas conocidos.

En la ÉPOCA MOMOYAMA vienen occidentales por primera vez a Japón.  En la laca vemos dos tendencias:

Lacas del kodai-ji (lugar donde está el mausoleo de Hideyoshi y su esposa, de fines del siglo XVI), que tiene un estilo muy definido.  Se adecúan muy bien a los gustos japoneses.

Se realizan lacas en los mismos objetos que antes y se prefieren las técnicas de Hiramaki-e (con polvo de oro cubriendo solo el motivo ornamental) y la Nashiji (aplicar polvo de oro muy finito en fondos).

Usan motivos ornamentales de tipo vegetal, trazados con mucha naturalidad (no se abstraen).

Se caracterizan por ser composiciones atrevidas, compartimentados por campos ornamentales por una línea quebrada. 

Presencia de occidentales en Japón.  Se han las lacas del arte Nambán.  Se generan bajo la estela de la presencia de occidentales y esta influencia se ve en muchos campos.

La laca nambán son las lacas que les pidieron los occidentales a los japoneses (altares portátiles, sagrarios, cajas para las misas..).  Era una laca hecha con la técnica de maki-e, la de incrustación de nácar y también la incrustación de piel de tiburón. 

En el PERIODO EDO, se produce un esplendor en las artes en general.  Se caracteriza por la enorme producción, que se debe a:

Enorme demanda de objetos lacados.  Las altas clases o nobleza tradiconal y el shogun, demandan este tipo de objetos.  Además, se ha creado una nueva clase social, la burguesía.  Esta gran demanda produce una calidad muy grande en las piezas.

Tendencia europea.  En el puerto de Nagashaki, se ocupa de recoger objetos holandeses y chinos.  Hay mucha demanda por pate de occidentales y encargaban dichas piezas.  Sin embargo, era una producción limitada, ya que pedían objetos concretos y con motivos concretos (batallas navales, vistas de ciudades…).

Lacas de Escuela Rimpa.  Es una escuela pictórica, pero también hacían caligrafía, diseños textiles o lacas.  Nace de la mano de Hon Ami Koetsu (1538-1637) y en ella encontramos a artistas como Tawaraya Sosatsu, Ogata Korin o Ogata Kenzan.

Se caracterizan por no tener variedad en los objetos que lacan, que siguen las tradicionales técnicas (maki-e, incrustación de nácar…; aunque hay novedad porque usan la aplicación de placas de metal).

Usan temas alusivos a lo japonés (flores, ramas…) y a veces usan tradición literaria japonesa, caligrafía,…Los motivos son simplificados, potenciado lo decorativo; además ocupan más espacio y también dejan amplias zonas vacías.

Son composiciones dinámicas, asimétricas. 

Potencian lo abstracto y lo ornamental.

Este barniz da una compacta cobertura al secarse esa laca aplicada, otorgando al objeto una serie de cualidades prácticas y estéticas:

Prácticas. 

Protege de la corrosión y desintegración

Impermeabiliza la pieza y guarda el calor de alimentos o líquidos que contiene

Estéticas.

Da un brillo desde el fondo

Suavidad

Un color marrón oscuro, pero se puede mezclar con pigmentos para dar otra tonalidad

Se le puede incrustar y labrar o aplicar decoración.

Proceso de ejecución.

Primero se tiene que conseguir la resina.  En el pasado, los más famosos eran los árboles de la región de Yoshino (al Sur de Nara) y en la actualidad los mejores son los árboles de Tohoku.

Hay que esperar a que el árbol sea maduro.  Se hace una incisión en el tronco con un instrumento punzante que lleva un canelillo y que extrae la resina.  Esta extracción se produce en un determinado momento del año, de junio a septiembre (la de junio y julio es la mejor y se reserva para dar capas exteriores a los objetos).

Una vez acumulada la resina, se tiene que refinar.  Hay que filtrar dicha resina con telas (es un proceso costoso).

La laca luego se deja solidificar, se guarda sólida y se aplicará pulverizada mezclandola con aceites y pigmentos.  Al pulverizarla se queda como un líquido espeso.

Por otro lado, el objeto que vamos a lacar se llama base o kiji.  Como hemos dicho, la madera es lo más usado y dentro de la madera se usa sobre todo la del Hinoki o la del cerezo.  Es fundamental que esta madera esté bien seca.

Los encargados de lacar los objetos siguen una tradición que se mantiene hasta la actualidad.

Este proceso de recubrir de laca un objeto es muy costoso y largo:

- Hay que hacer una base o shitaji.

- Luego se dan las capas (tres tipos: inferiores, intermedias y superiores).

También es muy importante sugerir imperfecciones en el shitaji, que se hace por dos medios:

- con cola animal, caseina, arcilla y laca bruta

- agua, laca bruta y piedra en polvo

Una vez hecho la base, se dan distintas capas de laca, de 10 a 15 capas como mínimo (una laca bien hecha tiene 35 o 40).  Cada vez que se da una capa, le debes dejar secar en ambiente húmedo y sin motas de polvo.  Una vez seca, se pulimenta la laca capa por capa.  Si el lacador se equivoca, debe pulir esa capa y volver a realizarla.

El resultado es monócromo o de dos colores (técnica llamada Negoro).

(Apuntes tomados de la Asignatura de Arte Extremo Oriental, de la doctora Elena Barlés). 

Volverá luego a París, donde es profesor en la Universidad, para luego ir a Italia donde está en la Corte papal entre 1259-1268.  Será mentor de Clemente IV y al morir éste, marcha otra vez a París y Nápoles, donde muere.

Al morir, su doctrina filosófica, el tomismo, se extiende y su Suma Teológica será el compendio de pensamiento filosófico cristiano hasta el siglo XVIII.

Incluso Panofsky habla de la Suma Teológica como “arquitectura de pensamiento por claridad de concepto y su estructuración, por argumentos que da y sus refutaciones del pensamiento escolástico bajo medieval”.

Con respecto a la estética, según sus textos no es capaz de sentir la belleza en una obra de arte.  Entiende la belleza desde una posición metafísica y estará en relación con bondad (uno de los elementos transcendentales para él).

Define la belleza como esplendor de bondad y como aquello que agrada a la vista.  La vista será para él el método par aprehender de la naturaleza.  Sin embargo, no será un filósofo sensualista, porque pondrá la razón como lo principal.

Un objeto será bello porque nosotros lo sentimos.  La belleza es objetiva y puede ser un conocimiento, según él.  El placer que se sentirá al ver un objeto bello será un placer intelectual; solo con la razón podremos entender la belleza (carácter racional).

Establece además que la belleza es algo formal (como Aristóteles ).

Dice que se pasa de un primer nivel sensible a un nivel racional para tener una idea clara de la belleza.  Santo Tomas habla de tres condiciones para que se de la belleza (habla de ello en el tomo I de su Suma Teológica):

Integridad (o perfección).  Esta idea procede de Aristóteles y significa que en un objeto o sujeto se den propiedades de una forma efectiva (no completo=no perfecto, no hay forma)

Proporción o armonía.  Procede también de Aristóteles.  Todas las partes deben de estar de acuerdo unas con otras, y con el espectador (que capte armonía del objeto).

Claridad o luminosidad.  Se relaciona con Platón y tradición neoplatónica.  Habla de la luz como belleza y verdades divinas.  La claridad será el resplandor de la forma, se verá por la vista y la razón.

Para él, lo bello se dirige a nuestro conocimiento, mientras que el bien y la bondad se dirige al deseo.

Orfismo.  Derivado del primer cubismo analítico, es un movimiento que usa las curvas y el color para producir sensaciones, con un estilo pictórico no figurativo. 

Es puente entre el expresionismo y el constructivismo y es uno de los primeros estilos abstractos geométricos.

El término orfismo fue creado por Apollinaire con relación a Orfeo.  Sus artistas más importantes son:

Robert Delaunay.  Empezó como cubista, para luego embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, centrado en formas circulares y colores brillantes. 

Este nuevo estilo se verá reflejado en su primera serie, Ventanas, la cual es uno de los primeros ejemplos de un arte abstracto total.

Hará también obras sobre eventos deportivos, como Sprinters, gracias al amor que sintió por el ritmo y el movimiento, lo que concluyó en sus series Ritmos y Ritmos eternos.

Sonia Delaunay.  Influenciada por cubistas y pro colores de los orfistas, creó un estilo basado en yuxtaposición o contraste simultáneo de colores puros.  Esto lo desarrollará tanto en pintura como en el diseño de ropa, lo que revolucionará el diseño textil.

Neoplasticismo.  Teoría estética propugnada por el grupo De Styl o De Stijl, fundado por Mondrian en 1917. 

Sus composiciones son rigoristas, rectilíneas y con colores primarios separados con líneas negras para no dar degradación y así no dar sensaciones ópticas. 

Defendían a partir del cubismo formas extremas de sencillez geométrica, con líneas horizontales y verticales que se cruzan.

Pero los discípulos de Mondrian se dedicarán más bien al diseño, algunos de los cuales serán profesores de la Bauhaus, como Theo van Doesburg.

Constructivismo ruso.  Parten primero de Tatlin y Rodochenko, para luego los escultores Pevsner y Gabo independizarse y publicar el Manifiesto realista, ya que habían pensado que se había creado una nueva realidad, para lo cual se necesitaba un nuevo arte. 

En sus obras, Gabo usaba metales recortados para hacer sus piezas, como se ve en “Arco”, mientras que Pevsner usaba plásticos traslúcidos o opacos, como en “Columna”.

El constructivismo ruso se caracterizaba pues en ser geométrico, lineal y funcional, y para la propaganda de sus objetos existía El Lissitzsky, el cual hizo un ensayo de Proun, en el cual juntaba elementos reales con elementos pintados que representaban volumen.  Además usó simultaneidad de planos.

Suprematismo.  Intentaba dogmatizar acerca de los principios estéticos geométricos e intentaba también evitar la integración del arte en diseño e industria. 

El artista más importante será Malévich, el cual en sus primeras obras están influenciadas por neoimpresionismo y el fauvismo (más simple), para luego tener influencias del cubismo (añade formas), distinguiéndose por una claridad de líneas.  Por último, en 1912 crea su estilo propio, formando el suprematismo con su cuadro Cuadrado negro sobre fondo blanco (1923).

Buscaba reducir la pintura a elementos geométricos, como se ve en el cuadro de Malevich Cuadrado blanco sobre fondo blanco, el punto cero de la pintura, con la cual quería expresar la supremacía de la sensación a través de formas geométricas muy simples.

Junto con el poeta Mayakovsky, hará apariciones en revistas, mientras que en 1916 publicará Del Cubismo al Suprematismo.

Este movimiento será importante para el arte minimalista.

Era un sistema ya usado en la Antigüedad, datado ya en el siglo V a.C. en Grecia, aunque por ejemplo los romanos usaban plomadas, no la máquina de sacar puntos como tal.  La técnica se fue mejorando y en el siglo XV en Italia se redescubrió y se perfeccionó.

Un hito importante fue la creación por parte de Leonardo da Vinci de un sistema de varillas, que tenían la misma función que la máquina de sacar puntos; y Alberti, con su procedimiento llamado "definitor", que era un sistema de un aro horizontal que se pone en la parte superior del modelo y que tiene una plomada que sirve para tomar un punto de referencia, calculando las distancias con respecto al centro y laterales para luego pasarlas al modelo definitivo. 

Sin embargo, en el siglo XIX será cuando Gatteaux inventara la propia "máquina de sacar puntos".  Es un sistema con forma de T invertida, con tres puntos de hierro que sirven de apoyo y son fijos al molde.  Aunque también se pueden añadir nuevos puntos móvibles. 

El procedimiento era hacer el modelo en un material más manipulable, para luego colocarlo en la máquina de puntos y poner las referencias básicas.  Luego se ponía el material de piedra (más difícil de labrar) para colocar los ejes en los lugares de refencia y así poder trabajar mejor.

También se podía usar el compás para ello, que hace la misma función pero es menos estable. 

Normalmente este trabajo se hacía en el taller, luego el artista era el que pulimentaba, policromaba y daba el último repaso a la obra.   

En un viaje en tren, el artista descubrió este lugar, se enamoró de él y decidió trasladarse con toda su familia a él.  En 1890 empezó a "transformar" su parcela, construyendo sus jardínes. 

Fue la casa de Monet durante 43 años y posteriormente cuna de muchos pintores impresionistas que encontraron en su paraje idílico el contacto con la naturaleza que querían.  El propio Monet tenía su taller allí, en un gran terreno donde ideó sus propios jardínes, excavó el estanque y construyó el famoso puente al estilo japonés.

En la visita pudimos ver el museo de América que allí se erigió por la cantidad de afluencia posterior que hubo de artistas de este lugar, generando toda una colonia de artistas americanos. 

Además, podemos visitar la casa de Monet, donde coleccionaba sus grabados japoneses.

Lo más impactante sin duda es la zona de jardínes.  Todo absolutamente lleno de flores preciosas, de coloridos increíbles.  Totalmente bucólico con los estanques llenos de nenúfares que pintó y repintó en tantas ocasiones.  

No os podéis imaginar más que la visión de las flores, es el olor…intenso.  Una de las visitas más bonitas que he hecho en mi vida y 100% recomendable.

Os pongo como siempre una foto del lugar para que apreciéis la maravillas y un video de las pinturas que realizó inspirándose en ello: las "Nympheas", expuestas en el museo de la Orangerie de París que grabamos en una visión de 360º para disfrute del personal.. 

He creado un album en Flickr para que veáis las fotos idílicas y mi cara de satisfacción en muchas de ellas.  Me habría quedado a vivir allí…

Monet quiso morir allí.  Y en su iglesia está enterrado..si es que no me extraña

Casi todos los avances se dan en el siglo XIX (aunque en siglo XX se dan dos grandes pasos: color y digital).  Estos avances están relacionado con la historia del arte y en relación con la sociedad.

La fotografía nos permite captar la realidad por medio de una cámara, para plasmarla en un soporte físico preparado químicamente. 

Photos viene de luz y graphia de dibujar.

“El arte de fijar y reproducir por medio de reacciones químicas, en superficies convenientemente preparadas, las imágenes obtenidas en la cámara oscura”.

Habrá dos puntos de interés:

Descubrimientos químicos para fijar la luz

Cámara oscura.

Estos dos elementos descubiertos en el siglo XIX (aunque la cámara oscura se conoce desde Antigüedad) serán los que confluyan para crear la fotografía.

Se debía avanzar en los experimentos de los descubrimientos químicos (debían hacerse más nítidos, instantáneos).  

Antecedentes de la imagen fotográfica

            Muchos artistas usaron la cámara antes, pero sin fijar la imagen.  Además, encontramos precedentes en la literatura, como “El espejo de Matsuyama” (cuento tradicional japonés) y “Giphantie” de Tiphaisne de Roche.  Con ello, vemos la vinculación directa con el individuo y con la memoria.

También hay muchos inventos de la época para facilitar el trabajo, sobre todo en el Renacimiento, como Durero, que seguía un esquema de puntos.

            El invento más destacado es la cámara oscura, que es descrita ya desde la Antigüedad con Aristóteles, aunque será en el Renacimiento cuando se defina totalmente.

El agujero de entrada de la luz debía ser pequeño, pero no mucho y se usaba en él una lente casi siempre.  También es importante la distancia (enfoque) para buscar nitidez. 

Existe mucha variedad de cámaras oscuras (portátiles, de “pequeño tamaño”) y eran usadas por los artistas, sobre todo en Inglaterra, Italia y Francia.

            Según el teórico Hockley, la historia del arte se divide en el antes y el después del uso de la cámara oscura, porque para él muchos artistas usaban estas cámaras para buscar más realismo en sus obras.  Por ejemplo, se sabe que Caravaggio usó la cámara oscura y Veermer pudo usarla, pero no se ha confirmado.

            Hay también otros inventos a parte de este, pero no vinculados con fotografía: siluetas (con luz y dibujo posterior), el fisionotrazo (a finales del siglo XVIII por Chrétien; es un dibujo hecho a  mano pero sacado de un mecanismo que saca los puntos básicos del retratado), la cámara lúcida (que es una máquina para dibujar; consiste en lentes que te permiten ver dos imágenes: retrato y papel).

            Por otro lado, los primeros avances para conseguir efectos por la luz se dan en la década de los 20 con Schulze, que descubre que el nitrato de plata ennegrece por la luz (por ejemplo, si ponemos nitrato de plata y la mano, la zona de la mano quedará blanca y lo demás negro).

Sin embargo, no será un impresión permanente (lo que faltaba era parar ese proceso).

En 1819 Herschel descubre el hiposulfito (o “hipo”), que permite detener este proceso de ennegrecimiento por la luz.  Con esto, no se quería crear la fotografía, sino que eran simplemente experimentos químicos.

            Ahora solo faltaría unir estos dos inventos, algo que se produce en varios sitios a la vez.  Los primeros intentos se producen por Wedwood, aunque no halló la solución para fijarla.

Mientras, Niepce creó la Heliografía (la primera fotografía de la historia) y creó junto a Daguerre una sociedad en 1829.  Sin embargo, murió pronto y será Daguerre quien crea el daguerrotipo (que se compró por el Estado quien lo regaló a la humanidad).

Por otro lado estaría Talbot en Inglaterra, que ideaba otra forma, llamado Calotipo o Talbotipo.

Sin embargo, a parte de estos también hubo personajes importantes: Bayard, Zapetti,…

            HELIOGRAFÍA.  Helios es sol y graphos es dibujar.  Se documenta ya en 1815 por Niepce.  El sistema era con una placa en cobre cubierta de betún de Judea disuelto en aceite de lavanda.  Luego se exponía y se revelaba con aceite de lavanda y petróleo.

Con ello, se creaba una imagen única y positiva, del mismo tamaño que la placa de cobre usada.  Lo empleó para reproducir grabados y para meter la placa en una cámara (que denominó “punto de vista”).

La primera fotografía conservada en historia de la fotografía es el Punto de vista desde una ventana de Gra de 1826.

Estas heliografías tenían una imagen no muy nítida (que luego se experimentó para mejorarla) y se criticó que estas fotografías no tenían mucho realismo (luces no veraces, porque betún de judea tardaba mucho en estabilizarse).

            DAGUERROTIPO.  Daguerre será el hombre de negocios en la asociación con Niepce, que era el inventor.  Su éxito reside en que da más nitidez, más cercano pues a nuestra fotografía.

En 1829 los dos firman para diez años esta asociación pero a los cuatro muere Niepce y Daguerre consigue los derechos del invento, que lo presenta en 1837 y en 1839 en la Academia de Francia (inicio formal de la fotografía).

El gobierno francés se quedará con la patente y la regala a la humanidad, mientras que Daguerre se dedicará a vender las cámaras.

Lo que hace Daguerre es mejorar el procedimiento y para hacer sus daguerrotipos usará placas de cobre con plata en una cara.  Luego se sensibiliza con vapores de yodo y luego se metía en cámara donde se exponía a la luz.  Más tarde se revelaba con vapores de mercurio y se fijaba con agua salada o hiposulfito de sosa. (“hipo”).

            El tiempo de exposición a la luz sería de varios minutos (si hay movimiento no se ven figuras, como pasa en Vista del Boulevard du temple), problema que seguirá hasta mediados de siglo.

Otra característica será que son muy frágiles (se rayan, por eso salen rayas) y que son obras únicas, no se pueden copiar, lo que influirá en su comercialización.

            CALOTIPO/TALBOTIPO.  En Inglaterra encontramos a Talbot, que “inventará” la fotografía.  Su procedimiento era por papel sensibilizado por nitrato de plata y ácido gálico (en vez de metal), que se expondrá a luz y después se revela con nitrato de plata y ácido gálico también.  Luego se fija con hiposulfito (“hipo”).

Con ello, obtiene una imagen en negativo en papel, con la que podrá hacer positivo por contacto (ennegrecimiento directo: con el negativo, lo plasma en otro papel y lo expone a la luz, luego lo revela y sale positivo).  Por eso se podrá hacer copias.

Fue además un gran fotógrafo (a diferencia de Daguerre) e incluso hizo “fotogramas”, usando objetos en papel y exponiéndolos a la luz. 

Su fotografía en general es menos precisa y anaranjada.  Sus calotipos están recogidos en un libro de 1844-46 llamado “El lápiz de la naturaleza”, donde es la primera vez que se ven ilustraciones que son copias pegadas a las páginas del libro.

Sus fotografías son los primeros inicios de la fotografía artística, con preocupación por composición y detalles.

            Sin embargo, a parte de estos avances se tenía que experimentar sobre dos cuestiones: foto instantánea (mediados de siglo) y facilitar su uso.

            Independientemente de los que hemos visto, hubo otros fotógrafos que se atribuyeron el invento: Bayard en Francia, hacia proceso con papel y con elementos químicos para fijar la imagen; Hércules Florence o Ramos Zapetti.

(Este artículo ha sido realizado por medio de los apuntes de la asignatura optativa "Fotografía" de la licenciatura de Historia del arte, en la facultad de filosofía y letras de Zaragoza) 

Alex cuando vio la Villa Saboya.

En nuestro periplo parisino fuimos a visitar la Villa Saboya , que se encuentra en la localidad de Poissy, a apenas 30 minutos de París.  Es uno de los edificios más emblemáticos de la arquitectura moderna, aunque a mi compañero de fatigas le parezca una caja de zapatos…

Se encuentra en un paraje precioso, rodeado de árboles y con una gran esplanada de césped en su entrada.  No en vano, Le Corbusier, su planificador, era partidario del contacto de la arquitectura y el espectador con la naturaleza circundante y que fuera una parte indiscutible del nuevo concepto de edificio.  Esto también se puede ver en las azoteas, donde había multitud de jardineras realizadas en obra que albergaban gran cantidad de plantas.

El contacto directo con el exterior se acentuaba aún más por los grandes ventanales que tenía la casa en sí, siempre volcada hacia el exterior.  Fue uno de los pioneros en incluir los grandes ventanales corridos de forma rectangular, olvidándose del muro.

La Villa Saboya es un paradigma de la arquitectura.  Su semblante puede parecer robusto y muy horizontal, pero esconde una ligereza pasmosa.  Sólo hay que mirar los pilotis (que no pilotes) que dejan construri un a modo de porche en el que la base central se retranquea para dar lugar a un espacio más diáfano.

La parte de abajo se deja para la entrada del garaje, mientras que la entrada de la vivienda se vuelve más amplia incluyendo una escalera de caracol para acceder a la parte alta.  Esta planta superior se desarrolla con diferentes habitaciones donde los muebles diseñados por el mismo Le Corbusier están dispuestos para que el espectador se hiciese idea de cómo era.

Quizás una de las cosas que más me sorprendió fue el baño.  Tenía un diseño curioso, con una zona de bañera muy amplio.  Otra de las cosas que más me llamó la atención son las manecillas y el sistema de luces originales que se habían conservado.

Lo más espectacular, el salón, abierto al exterior de las azoteas con un grandísimo ventanal, sus terrazas, su ventana corrida…y el paisaje totalmente verde.

En esta casa vemos el paradigma de Le Corbusier: los pilotis, la ventana corrida, la libertad de la fachada, planta libre y sobre todo terrazas con jardines que contactan al habitante con el exterior.  Sin duda, una delicadez de vivienda, que sirvió de hogar particular durante muchos años y que ahora se abre al público.

Así que os voy a contar por partes lo que he visto y gozado como una enana.  La primera parada en mi viaje…Chartres.

Es una catedral imponente, con unos 2600m2 de vidrieras y 9 portales esculpidos.  Situada en una gran explanada que hace que su tamaño se multiplique y, al acceder, te encuentras pequeña ante un santuario silencioso, donde la luz coloreada en días luminosos te transforma (creyente o no).  Un sitio precioso, con unas increíbles vidrieras, una altura impresionante y una gran belleza.

Además, es una de las catedrales que albergan en su gran nave central uno de los famosos laberintos.  Éstos seguían la idea de mostrar al peregrino el gran camino que tiene que hacer para llegar a Dios.

La catedral de Chartres es una de las más importantes catedrales góticas de toda Francia.  A finales del siglo XII se incendió la original románica que albergaba una reliquia muy importante: el manto de la Virgen.  Por ello se acometió una serie de mejoras a lo largo de los años en ella usando las nuevas "tendencias" góticas.  Sobre todo lo más imponente, sin duda, son sus grandes vidrieras.

Curiosamente, la reliquiai sobrevivió a ese incendio que comento, por lo que la iglesia tuvo aún más importancia. 

Por otra parte, la tendencia de los vitrales coloreados se había dado por primera vez con el abad Suger, que quería que la catedral de Saint Denis (patrón de Francia) tuviera un gran esplendor. 

Las vidrieras hacen que la luz se coloree, haciendo sentir al espectador que se transporta a otro mundo.  A mí personalmente me fascina el tema de las vidrieras, no sé a vosotros.  Aquí a vuestra izquierda os pongo una imagen que tomé que lo refleja bien.

Dedicada a la Virgen, Chartres albergaba su manto sagrado en su interior.  Además, una de sus más conocidas vidrieras se dedica a ella: Nuestra Señora de la Bella Vidriera.

Aquí os pongo una serie de fotografías tomadas allí y a continuación, un video de los relieves que hay en su interior, en concreto del relieve desde el nacimiento de Jesús hasta el Golgotha.  Está un poco oscuro y además tengo muy mal pulso…pero espero que se vea algo bien..

Monumentos.  Normalmente, los monumentos han sufrido unatransformación turística. 

Por ejemplo, las Cuevas de Altamira han tenido que "clonarse" dado el número de turistas que la visitan, que ocasionaban un gran desgaste a sus pinturas. 

Por ello, muchas veces se supeditan las necesidades turísticas a las necesidades reales de conservación.  Recuerdo el caso de las copias de esculturas que decoran la fachada de la catedral de Burgos, que al estar muy mal conservadas tuvieron que tener un duplicado en vez de las originales.

Por esto, una "entrada" a dichas instalaciones no me parece del todo irracional.  Siempre en cuanto sea utilizada expresamente para su conservación, divulgación,..

Otra cosa muy distinta es el caso de las iglesias.  Normalmente, estos recintos son de libre circulación, pero desde hace unos años la tendencia es a "privatizar" su uso cultural por medio de entradas (a veces inexplicablemente caras).  Cuando fui a la catedral de Córdoba me sorprendió que en el folleto de la entrada se explicara claramente que se debía el pago a dos factores: conservación y ayuda a la Iglesia a que fomente su ideología creando nuevos centros.

La catedral de Burgos, por seguir con el ejemplo anteriormente citado, tiene una entrada elevada para la conservación del edificio.  Sin embargo, su interior se ha completamente supeditado a las visitas ya que hay hasta guardia a la entrada, mamparas de separación entre el centro litúrgico y la parte cultural, barreras de seguridad…

Otro caso "sonado" que me llegó al corazón, fue cuando quise entrar en el Palau de la Música de Barcelona y la entrada eran 20 euros.  Sin duda, será para la conservación del mismo, pero son estos casos en los que parece más que sospechoso la actitud de las instituciones que respaldan este precio.

En este punto habría que recordar que la Ley de Patrimonio Español de 1985 obliga a destinar al Estado el 1% cultural famoso, que no es otra cosa que fomentar la conservación o enriquecimiento del Patrimonio Histórico Español.  Cada Institución es libre de poner una entrada para acceso del turismo, pero me parece en algunas ocasiones bochornoso cuando la ayuda del Estado incide también en las instituciones eclesiásticas, aportando dinero público a su conservación.

Museos.  El tema de los museos es diferente, ya que depende de muchos factores: lugar, privacidad del mismo, gestión,…No hay ninguna normativa fijada, por eso la variedad de soluciones en múltiple.  Hay muchos de ellos que sí exigen entrada, por el hecho de que cubren una gran cantidad de servicios, pero otros su gestión depende en gran medida del Consejo de Cultura de cada comunidad o partidas presupuestarias del Estado.

No hay que olvidar que un museo no sólo es un lugar de exposición.  También tiene una biblioteca, un centro de investigaciones, tiene que conservar y restaurar las obras, exposiciones temporales,..por lo que hay mucho más de lo que nosotros a simple vista vemos.  Así, museos como El Prado es bastante lógico que tengan "tickets".  Además, se agradece que no sean "excesivamente caros" (hay que recordar que una de las ideas que se tenía era la unificación con Europa para poner los museos a 10 euros más o menos todos ellos).

La idea de que todos los museos sean gratuitos en nuestro país dista mucho de la realidad.  Esto es así porque, a diferencia de lo que ocurre con los museos americanos, no hay empresas privadas detrás suyo que los respalden economicamente.

Por eso, cuando pagamos, habría que preguntarse realmente…¿donde irá mi dinero? Si existiera una legislación en condiciones en este aspecto, este tipo de preguntas dejaríamos de hacerlas, pero…

(Agradezco enormemente la información recibida de Débora Múgica, de Culturable, que me explicó todos estos temas)