Sin meterme en matemáticas que no es lo mío, tenéis  numerosas explicaciones por la red como ésta del también llamado número de oro.  En resumidas cuentas, el número aúreo es la relación que tienen dos segmentos rectos el uno con el otro.

Remontándonos a muchos años antes de Cristo, podemos ver esta proporción aúrea en edificios tan singulares como la pirámide de Gizeh y también se ha querido ver en estelas de Babilonia y Asiria.

Es en época griega, con el pensamiento de filósofos como Platón, Pitágoras y Euclides, cuando la proporción aúrea la podemos empezar a ver dentro del arte, teniendo al número como principal exponente.

La mente analítica de los griegos y su tendencia a la geometrización, a la búsqueda de la belleza en lo racional, hace que sus arquitecturas respeten la regla de la medida aúrea.  Se le considera una medida de belleza, por lo que no es de extrañar que los griegos lo utilizaran en sus representaciones en busca de la perfección.  Todo el arte griego se mide por cánones de belleza, el de 7 cabezas de Policleto por ejemplo.

En la arquitectura es donde vemos este fenómeno más acentuado, sobre todo a partir de Fidias, con su diseño para el Partenón de Atenas, donde en la fachada encontramos la proporción aúrea.

Más tarde será el arquitecto romano Vitrubio quien estudie sobre el tema en su obra De Arquitectura, tomando de referencia el cuerpo humano para plasmarlo en la representación humana con medidas simples, aludiendo así a la proporción aúrea.  Es más tarde Leonardo da Vinci quien resuelve el dilema de cómo representar éste esquema con su archifamoso El Hombre de Vitrubio, de 1487, donde plasmaba la figura humana dentro de un cuadrado (geometría perfecta) y un círculo.

Sentó las bases así de la nueva forma de representar la figura humana, que ha llegado hasta nuestros días.

Y ahora una curiosidad, ¿sabíais que el número aúreo también se encuentra en la naturaleza? ¿queremos ver en ella algo racional y por eso creemos que sigue la proporción, o sin embargo la proporción existe por sí sola?

Origen y forma de construcción

El arco nació en Mesopotamia y ha sufrido a lo largo del tiempo muchas variaciones, desde Egipto hasta nuestros días, las tipologías son numerosas.

Para la construcción de un arco necesitamos una estructura de madera llamada cimbra, que sirve para sujetar la estructura mientras se van incorporando las dovelas, de arriba hacia abajo, para cerrar el arco.

El arco es un elemento constituido por dovelas, que son cada una de las piezas que lo conforman y que son fundamentales en una arquitectura para llevar el peso hacia el exterior y que éste descargue en los muros.

Para ayudar a que se distribuya mejor el peso, en la evolución arquitectónica nacieron los contrafuertes y los arbotantes (Gótico).  Son estructuras externas o unidas al muro que permiten que se pueda aumentar la altura del edificio.  Así, por ejemplo, en el Gótico la evolución de los contrafuertes llevándolos al exterior y su desarrollo, permitió que se hicieran edificios mucho más altos porque la distribución de los pesos era más correcta.

Por otra parte, gracias a los arcos tenemos las bóvedas, consecución de arcos que se unen entre sí, y también las cúpulas.

Como he dicho, existen multitud de tipologías de arcos; intentaré hacer un resumen de los más importantes y también de las más curiosas variaciones.

Arco de medio punto.  Este arco es uno de los más usados y que más posibilidades tenéis de ver en todos los sitios.  Lo podéis distinguir porque su anchura es la mitad que la altura desde la imposta (última dovela de abajo) hasta la superior.

Nació en Mesopotamia, aunque fue usado por etruscos, romanos, en el Románico, en el Renacimiento y en el Barroco.  En el Románico lo vemos en portadas, como la imagen, en vanos, iglesias,…

Arco apuntado.  Usado por la arquitectura árabe, el arco apuntado se empezó a intuir en la arquitectura románica tardía, donde el arco de medio punto evolucionó hacia un arco más esbelto y puntiagudo.  Éste permitía distribuir mejor los pesos, cosa que se multiplicó con la aparición del arbotante, que ayudaba a que los muros no cargasen con todo el peso y el edificio pueda subir en altura, como he comentado antes.

En el Gótico vemos cómo este arco contribuye a la evolución de los nervios en bóvedas, creando formas muy originales y complicadas.

Arco polilobulado.  Una variante del anterior digna de reseñar, es el arco polilobulado.  Decimos variante, porque no deja de ser un arco apuntado más o menos, pero con la variación de que sus dovelas crean formas de lóbulo.  A los arcos de tres lóbulos, los denominamos trilobulados, y más se llaman polilobulados.

Viene de Oriente y es un arco de una gran belleza, muy usado en la arquitectura árabe y en la Gótica.

Arco de herradura.  Usado mucho en el arte árabe, es un arco de medio punto cuyas impostas están por encima del centro del ancho del vano.  Es un arco muy visual, usado en portadas y en ventanas, que tiene su origen en el arte romano y visigodo. Tiene muchas variantes, como el polilobulado o el tumido.

Arco elíptico. Como su nombre indica, es una variación del arco de medio punto que tiene forma de elipse su vano.

Arco conopial.  Se trata de una variante del arco de medio punto pero con la salvedad de que en su parte superior encontramos otro arco que hace forma triangular.   Sobre todo se ve en el arte Gótico tardío, denominado flamígero, donde las formas se complican y la originalidad en arcos y bóvedas es una de las características fundamentales.

Creo que ya he ido a los arcos más importantes y curiosos, hay muchos más pero nos podríamos tirar todo el día, y no es cuestión de aburriros!!

¿Queréis una curiosidad ahora?

Los arcos de las iglesias que van hacia el ancho de la iglesia se llaman fajones (o perpiaños), mientras que los arcos que van al sentido de la nave de las iglesias se llaman formeros.  Pues bien, yo nunca conseguía aprendérmelo, porque siempre si tengo un 50% de posibilidades de fallar, siempre fallo.

Así que un profesor me dio la clave.  ¡Acuérdate de la faja! Sí sí, la faja, la faja va al ancho de tu torso, al igual que los arcos fajones van al ancho de la iglesia

He de reconocer que lo bizarro, la sangre y las vísceras me encantan! Mucha gente cree que tengo un problema por ello y como sé que hay mucha gente que sufre del estómago, no pongo imágenes fuertes para no herir los sentimientos de nadie (si alguien le mola, que pinche en cada enlace).

Y es que lo bizarro, palabra que dicen que viene de Dante de sus spirito bizarro, se denomina a toda las cosas que se van fuera de tiesto, que son excéntricas, extravagantes…¡lo raro, lo diferente! Y lo diferente siempre mola

El arte bizarro se denomina a las obras que no podemos llamarlas de ninguna otra forma, no pertenecen a ninguna escuela, ni a ningún movimiento artístico.

Personalmente, creo que los comienzos de lo que ahora conocemos como arte bizarro van mucho más allá de los últimos años, siendo bizarras muchas obras anteriores como El Bosco (El Jardín de las Delicias),  Hans Baldung Grien (Las Edades y la Muerte) incluso si me apuras muchas esculturas del románico de las portadas llegan a ser de lo más bizarras; y, si me apuras más, en todas las representaciones de Cristo crucificado tienen su punto de lo más bizarras.

Por otra parte, la sangre siempre ha sido un punto interesante para analizar en el mundo del arte; como he dicho antes, los Cristos crucificados son el mejor ejemplo para ver esto.  Si en el Románico eran estáticos, tranquilos y sin ninguna expresión, en el Gótico pasamos a humanizarlo con elementos grotescos y realistas como la sangre, la cara de sufrimiento,…pero vamos al Renacimiento, donde el Cristo ahora vuelve a su tranquilidad, mucho más idílico…para pasar al gore del Barroco, donde se añade mucho más realismo, más crudeza (ojos de cristal, pelo natural, sangre, dolor,…)

No nos olvidamos de los personajes de la Corte retratados por Velázquez (enanos, deformes,…) y Goya con sus Caprichos y sus Disparates , abriendo la mente a muchos artistas posteriores que tomarán sus ideas y explotarán el expresionismo, el surrealismo,…los pasos hacia lo que hoy vemos como bizarro ya han sido dados.

Y de ahí nombres como Justin Novak (sus siniestras cerámicas), David Nebreda (sus esquizofrénicas fotografías), Fred Einaudi (sus inquietantes fotos),Vanessa Tiegs (y su serie de cuadros usando la sangre de su menstruación), Joel Peter Witkins (sus bodegones macabros) o Von Hagens (nuestro amigo plastificador que, por cierto, está ahora en Madrid y recientemente he ido a ver otra vez), David Nicholson (sus imágenes grotescas)…

Para acabar, para mentes inquietas y depravadas, aquí tenéis un buen link para arte macabro

El mundo del arte, el que nos atañe en este blog, también tuvo su propio genocidio, ya que según el Hitler y su Ministerio de Propaganda las obras modernas, eran simplemente arte degenerado. La quema de libros, el cierre de la Bauhaus, es decir, la persecución de todo aquello que el Régimen consideraba "degenerado".

¿Y por qué degenerado, a qué viene ese nombre?  Pues bien, resulta que, como todo el mundo sabemos, el Régimen Nazi subrayaba la importancia de la limpieza étnica para conseguir una super raza de hombres 100% válidos.

Es por ello que para el arte y la cultura de su época, necesitaban reforzar ese sentimiento y buscar obras y artistas que se ligaran a él.  Unido a esto, hay que entender que en los años 20-30 ya se estaban produciendo las denominadas vanguardias artísticas y que la ebullición cultural era un hecho en toda Europa.

Por lo tanto, nos encontramos con dos frentes: un frente totalitarista donde se busca una pureza racial y otro frente donde se busca la diferenciación con lo anterior, el romper con todo.

Hitler, "coleccionista" y amante del arte, encabezó una caza de brujas para los artistas que no le bailaban el agua (Otto Dix, Marc Chagall, Munch, Kandinsky, Picasso, Matisse, de Chirico…) y los denominó "degenerados", no puros, ambiguos, no le servían para su cometido: un arte heroico.  Lo que quería era poner en evidencia su falta de orden y racionalidad, por lo que se preparó una exposición el 19 de Julio de 1937, llamada "Arte degenerado", donde se exponían de forma desordenada y mofándose de los artistas y su falta de criterio.

"Lo que están viendo son los productos enfermos de la locura, la impertinencia y la falta de talento. Necesitaría varios trenes de carga para limpiar nuestras galerías de esta basura." (Adolf Ziegler, Cámara de Cultura del Tercer Reich, Münich 1937)

A la vez, una exposición de "Arte alemán" se abre, con artistas afines al Régimen, para así evidenciar la "diferencia moral" de ambas.

Paralelo a toda esta historia, hay que destacar que el propio Hitler pintaba (ver una pintura abajo), y he de reconocer que no lo hacía mal del todo.  Se puede decir que era un artista frustrado, ya que le rechazaron dos veces en la Academia de Bellas Artes de Viena y tuvo que vender sus pinturas en la calle…me pregunto qué habría pasado en el mundo si hubiera estudiado arte en vez de lo que hizo…Pero eso es otra historia…

Es el caso de lo que he ido a visitar hoy, el Templo de Debod.

Hace unos 2200 años, por el 200 a.C. al rey Ptlomeo IV o el rey Adijalamani, se le ocurrió construir la Capilla de los Relieves, como se conoce, en la localidad de Debod.  Se trataba de una capilla que rendía culto a Amon, el más importante de los dioses egipcios, y que luego pasará a rendir culto a Isis.  Como es habitual, la construcción fue evolucionando a lo largo del tiempo, sobre todo en época ptolomeica y romana, añadiendo módulos y escondiendo el edificio original.

Morada de nómadas, cristianos y musulmanes, en 1961 con la construcción de la gran presa de Asuán, se vieron obligados a una decisión difícil.  La construcción implicaba que las aguas escondieran definitivamente el edificio para siempre, por ello se desmontó y se montó de nuevo en España, dándose de "regalo" (unos dicen que fue por la colaboración de España con Egipcio en la recuperación de los templos de Abu Simbel, otros dicen que por dinero, otros dicen política, vete tú a saber).  Sí, desmontó y montó.  Piedra a piedra, catalogando todos y cada uno de los relieves e incripciones.  En 1972 se instaló en la ciudad de la polución eterna.

En cuanto a su forma, vemos que tiene una vía procesional, que pasa por dos pilonos o fachadas de entrada, decorados en algunos casos con soles alados.  Estos eran construidos con adobe y piedra arenisca, y son de época más tardía a su construcción.   Pasada la vía procesional, la fachada está configurada por un medio muro que tapa las columnas de fuste monolito y capitel papiriforme (dos de ellos sin acabar).

Al entrar en el edificio vemos que la configuración sigue los esquemas típicos, con un pronaos y una sala central, la capilla de Adijalamani, donde vemos numerosos relieves donde el rey ofrece regalos a los dioses.  Ésta sala es la central para todas las demás salas y a través de ella se llega al naos, lugar de culto por excelencia del templo egipcio, donde residía la divinidad representada en una escultura.

Una de las cosas más curiosas al ver el templo es la construcción como adherida a su izquierda, el mammisi, construído en época romana y que es el "lugar de nacimiento", relacionado con el dios Horus.

Aquí podéis ver un video del templo de Debod.  La voz del tio es soporífera, pero es bonita la imagen.

Os animo a visitarlo y pasear por el parque, una bonita experiencia lejos del mundanal ruido.  Una de las visitas obligadas, con el Guernica en el Reina Sofía, el Jardín de las Delicias en el Prado, Dalí en el Thyssen, el Arqueológico entero, el museo de las Américas (precioso!!) y, por supuesto, muchas otras cosas que iré visitando y contándos.

Por aplicación o incrustación.  Se recorta el motivo y se aplica.  Según el material usado tiene distinto nombre:

Raden (nacar o madre perla, adherido a la laca).  Se inventó en Japón

Heidatsu (incrustación o aplicación de metal)

Tsuikin (laca en tela se recorta y se aplica)

Decoraciones esculpidas.  Distintas posibilidades:

Choshitsu.  Técnica china que era que aplican capas de laca sobre el objeto y luego se labra.

Kamakurabori.  Se labran los motivos en la madera y luego se laca

Kimma.  Se incide sobre la laca y luego las incisiones se rellanan con lacas de otro color.

Chinkin.  Se incide y se rellena con láminas de oro.

Técnicas pictóricas.  Según sea el material de la técnica se llama de una forma u otra:

Urushi-e.  Con un pincel se pintan motivos de otro color.

Yushoku-e. Pintura a base de aceite y colorantes.

Mitsuda-e

Kingin-dei-de.  Como antes pero añadiendo polvo de metal.

Maki-e.  Generalmente, los motivos se dibujan con pincel y la laca es de distinto color que el fondo.  Una vez trazados los dibujos, se esparce polvo de metal sobre el motivo ornamental sin secar (se aplica soplando por tubito).  Después, se seca y se elimina el polvo sobrante y luego se cubre de distintas maneras.

Hisimaki-e.  Solo sobre el motivo ornamental aplica capa de laca.

Togidashimaki-e.  Se aplica sobre toda la superficie del objeto capas de laca, luego se pulimenta todo y el motivo se queda a igual nivel.

Decoración de los fondos. 

Fundamentalmente hay cuatro técnicas:

Ikakeji.  Polvo de oro en todo (no se ve fondo) más capa de protección

Nashiji.  Se usa un polvo muy fino, viéndose el fondo de la laca.

Hirame.  El polvo de oro es más grueso

Okihirame.  Se usa granos de polvo aplicados.

Evolución en el tiempo

En la PREHISTORIA, la laca se practicaba, es decir, es un arte propio de Japón.  Los objetos que se encuentran en este momento son muy funcionales (los vasos, cuencos, sarcófagos kofun…), realizados en madera o cerámica y con tonalidades de negro, rojo o combinando las dos.

Parece ser que en principio se usó solo para proteger los objetos, pero tambíen se piensa que hubo intención estética (por el uso del color y la bicromía).

Durante los PERIODOS ASUKA, HAKUHO y NARA, se enriquecen las artes en general, marcadas por influencia del continente.

En el periodo Hakuho y Nara se hacen más lacas que anteriormente.  Esto se debe a que se pone de moda tener objetos bellos en la vida cotidiana (sobre todo entre los Uji).  En el siglo VII se fundó una fábrica imperial, para objetos de la Corte.

Se obligó a determinados terratenientes que cultivaran el árbol de laca y se pagaron los impuestos con laca.

De este periodo han quedado muchas tumbas, templos…pero lo más importante es el tesoro del Shosho-in, un edificio del Today-ji.  Allí se guarda y permanece la colección de arte del emperador Shomu, que hizo traer por la ruta de la seda objetos de diversos lugares (incluidas lacas).

También en este momento se dan más tipologías de objetos para lacarse, como relicarios, esculturas, pequeños objetos…  Y también se crean nuevas técnicas decorativas, como la ornamentación de objetos cotidianos con la técnica de incrustaci´n de nácar.

Ya en el periodo Nara son los primeros que incrustan metales, vidrio o nácar sobre la laca.  Las composiciones ornamentales serán nuevas y son composiciones naturalistas, descriptivas, predominando los motivos vegetales y animales.  Usan una disposición sencilla y ordenada de los motivos.

Todo esto será influencia del arte chino.

En el PERIODO HEIAN, Japón saca a la luz sus valores propios.  Es una época marcada por el refinamiento y gusto artístico de la sociedad, potenciado sobre todo por la familia Fujiwara.  Por eso mismo se desarrolló muchísimo el arte de la laca, porque había una gran demanda.

Se producen muchas novedades en esta época:

Se multiplican los muebles lacados

Se aplica también a la arquitectura (exterior e interior)

Técnicas: siguen las tradicionales, pero se utiliza de manera más frecuente las maki-e.  Se sabe que esta técnica fue usada ya en época Nara, pero aquí se purifica y se domina.

Los motivos ornamentales se disponen de manera asimétrica y son tratados con más simplificación.

Un ejemplo es la Laca Tebako, del siglo XII.  Sus motivos exteriores e interiores no concuerdan, porque al exterior lo decora con ruedas? y al interior con pájaros.  Tiene mucho dinamismo.  Usa la técnica de incrustación de nácar y la técnica togidashi maki-e.  Es un tesoro nacional.

Durante el PERIODO KAMAKURA, el país es dominado por el Shogun (Minamoto no Yoritomo), que sustenta su poder en los samurai.  Es una sociedad militarista y en algunos aspectos menos vemos austeridad y sobriedad en el arte (algo que se ve también en las lacas).  Vamos a ver también gusto por lo ostentoso (el oro).

Se aprecia en las piezas realismo y en la laca vemos paisajes, ceñidos a la realidad, y también se quiere dar tendencia a la tridimensionalidad y a los valores táctiles.

En este momento se usan nuevos tipos de objetos para lacar, como útiles de guerra, monturas, kogos (bastones para el incienso, ya que en este periodo se introduce el budismo zen).

También hay nuevas técnicas, como la ikakeji (fondos totalmente cubiertos de polvo de metal), hiramaki-e (solo superficie ornamental con laca) y takamki-e y kamakuabori??

Ahora empezará a haber relación entre los motivos ornamentales del interior y del exterior del objeto; predominarán los paisajes realistas, …

En el PERIODO MUROMACHI, llegan al poder los grandes señores militares, que serán mecenas de las artes y quieren evocar el refinamiento del periodo Heian.  En el mundo de la laca serán unos años muy fructíferos.

Empezarán a aparecer nombres propios de los lacadores e incluso algunos firman (como Koami, por ejemplo). 

En este época habrá una nueva influencia china, ya que se coleccionaban objetos chinos.

Además, se consolida la fuerza del budismo zen y se crean nuevos objetos, vinculados con la ceremonia del té.

Se crearán nuevas técnicas, como la técnica de tallado sobre laca, la de rellenado de oro (ambas de influencia china) y la Negoro (japonesa).

Para la decoración, se dan nuevos motivos ya que se pone de moda los motivos chinos (por ejemplo, mujeres bajo el árbol, animales fantásticos…).  Sin embargo, se dan motivos de la literatura tradicional japonesa o la ilustración de poemas conocidos.

En la ÉPOCA MOMOYAMA vienen occidentales por primera vez a Japón.  En la laca vemos dos tendencias:

Lacas del kodai-ji (lugar donde está el mausoleo de Hideyoshi y su esposa, de fines del siglo XVI), que tiene un estilo muy definido.  Se adecúan muy bien a los gustos japoneses.

Se realizan lacas en los mismos objetos que antes y se prefieren las técnicas de Hiramaki-e (con polvo de oro cubriendo solo el motivo ornamental) y la Nashiji (aplicar polvo de oro muy finito en fondos).

Usan motivos ornamentales de tipo vegetal, trazados con mucha naturalidad (no se abstraen).

Se caracterizan por ser composiciones atrevidas, compartimentados por campos ornamentales por una línea quebrada. 

Presencia de occidentales en Japón.  Se han las lacas del arte Nambán.  Se generan bajo la estela de la presencia de occidentales y esta influencia se ve en muchos campos.

La laca nambán son las lacas que les pidieron los occidentales a los japoneses (altares portátiles, sagrarios, cajas para las misas..).  Era una laca hecha con la técnica de maki-e, la de incrustación de nácar y también la incrustación de piel de tiburón. 

En el PERIODO EDO, se produce un esplendor en las artes en general.  Se caracteriza por la enorme producción, que se debe a:

Enorme demanda de objetos lacados.  Las altas clases o nobleza tradiconal y el shogun, demandan este tipo de objetos.  Además, se ha creado una nueva clase social, la burguesía.  Esta gran demanda produce una calidad muy grande en las piezas.

Tendencia europea.  En el puerto de Nagashaki, se ocupa de recoger objetos holandeses y chinos.  Hay mucha demanda por pate de occidentales y encargaban dichas piezas.  Sin embargo, era una producción limitada, ya que pedían objetos concretos y con motivos concretos (batallas navales, vistas de ciudades…).

Lacas de Escuela Rimpa.  Es una escuela pictórica, pero también hacían caligrafía, diseños textiles o lacas.  Nace de la mano de Hon Ami Koetsu (1538-1637) y en ella encontramos a artistas como Tawaraya Sosatsu, Ogata Korin o Ogata Kenzan.

Se caracterizan por no tener variedad en los objetos que lacan, que siguen las tradicionales técnicas (maki-e, incrustación de nácar…; aunque hay novedad porque usan la aplicación de placas de metal).

Usan temas alusivos a lo japonés (flores, ramas…) y a veces usan tradición literaria japonesa, caligrafía,…Los motivos son simplificados, potenciado lo decorativo; además ocupan más espacio y también dejan amplias zonas vacías.

Son composiciones dinámicas, asimétricas. 

Potencian lo abstracto y lo ornamental.

Este barniz da una compacta cobertura al secarse esa laca aplicada, otorgando al objeto una serie de cualidades prácticas y estéticas:

Prácticas. 

Protege de la corrosión y desintegración

Impermeabiliza la pieza y guarda el calor de alimentos o líquidos que contiene

Estéticas.

Da un brillo desde el fondo

Suavidad

Un color marrón oscuro, pero se puede mezclar con pigmentos para dar otra tonalidad

Se le puede incrustar y labrar o aplicar decoración.

Proceso de ejecución.

Primero se tiene que conseguir la resina.  En el pasado, los más famosos eran los árboles de la región de Yoshino (al Sur de Nara) y en la actualidad los mejores son los árboles de Tohoku.

Hay que esperar a que el árbol sea maduro.  Se hace una incisión en el tronco con un instrumento punzante que lleva un canelillo y que extrae la resina.  Esta extracción se produce en un determinado momento del año, de junio a septiembre (la de junio y julio es la mejor y se reserva para dar capas exteriores a los objetos).

Una vez acumulada la resina, se tiene que refinar.  Hay que filtrar dicha resina con telas (es un proceso costoso).

La laca luego se deja solidificar, se guarda sólida y se aplicará pulverizada mezclandola con aceites y pigmentos.  Al pulverizarla se queda como un líquido espeso.

Por otro lado, el objeto que vamos a lacar se llama base o kiji.  Como hemos dicho, la madera es lo más usado y dentro de la madera se usa sobre todo la del Hinoki o la del cerezo.  Es fundamental que esta madera esté bien seca.

Los encargados de lacar los objetos siguen una tradición que se mantiene hasta la actualidad.

Este proceso de recubrir de laca un objeto es muy costoso y largo:

- Hay que hacer una base o shitaji.

- Luego se dan las capas (tres tipos: inferiores, intermedias y superiores).

También es muy importante sugerir imperfecciones en el shitaji, que se hace por dos medios:

- con cola animal, caseina, arcilla y laca bruta

- agua, laca bruta y piedra en polvo

Una vez hecho la base, se dan distintas capas de laca, de 10 a 15 capas como mínimo (una laca bien hecha tiene 35 o 40).  Cada vez que se da una capa, le debes dejar secar en ambiente húmedo y sin motas de polvo.  Una vez seca, se pulimenta la laca capa por capa.  Si el lacador se equivoca, debe pulir esa capa y volver a realizarla.

El resultado es monócromo o de dos colores (técnica llamada Negoro).

(Apuntes tomados de la Asignatura de Arte Extremo Oriental, de la doctora Elena Barlés). 

Volverá luego a París, donde es profesor en la Universidad, para luego ir a Italia donde está en la Corte papal entre 1259-1268.  Será mentor de Clemente IV y al morir éste, marcha otra vez a París y Nápoles, donde muere.

Al morir, su doctrina filosófica, el tomismo, se extiende y su Suma Teológica será el compendio de pensamiento filosófico cristiano hasta el siglo XVIII.

Incluso Panofsky habla de la Suma Teológica como “arquitectura de pensamiento por claridad de concepto y su estructuración, por argumentos que da y sus refutaciones del pensamiento escolástico bajo medieval”.

Con respecto a la estética, según sus textos no es capaz de sentir la belleza en una obra de arte.  Entiende la belleza desde una posición metafísica y estará en relación con bondad (uno de los elementos transcendentales para él).

Define la belleza como esplendor de bondad y como aquello que agrada a la vista.  La vista será para él el método par aprehender de la naturaleza.  Sin embargo, no será un filósofo sensualista, porque pondrá la razón como lo principal.

Un objeto será bello porque nosotros lo sentimos.  La belleza es objetiva y puede ser un conocimiento, según él.  El placer que se sentirá al ver un objeto bello será un placer intelectual; solo con la razón podremos entender la belleza (carácter racional).

Establece además que la belleza es algo formal (como Aristóteles ).

Dice que se pasa de un primer nivel sensible a un nivel racional para tener una idea clara de la belleza.  Santo Tomas habla de tres condiciones para que se de la belleza (habla de ello en el tomo I de su Suma Teológica):

Integridad (o perfección).  Esta idea procede de Aristóteles y significa que en un objeto o sujeto se den propiedades de una forma efectiva (no completo=no perfecto, no hay forma)

Proporción o armonía.  Procede también de Aristóteles.  Todas las partes deben de estar de acuerdo unas con otras, y con el espectador (que capte armonía del objeto).

Claridad o luminosidad.  Se relaciona con Platón y tradición neoplatónica.  Habla de la luz como belleza y verdades divinas.  La claridad será el resplandor de la forma, se verá por la vista y la razón.

Para él, lo bello se dirige a nuestro conocimiento, mientras que el bien y la bondad se dirige al deseo.

Orfismo.  Derivado del primer cubismo analítico, es un movimiento que usa las curvas y el color para producir sensaciones, con un estilo pictórico no figurativo. 

Es puente entre el expresionismo y el constructivismo y es uno de los primeros estilos abstractos geométricos.

El término orfismo fue creado por Apollinaire con relación a Orfeo.  Sus artistas más importantes son:

Robert Delaunay.  Empezó como cubista, para luego embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, centrado en formas circulares y colores brillantes. 

Este nuevo estilo se verá reflejado en su primera serie, Ventanas, la cual es uno de los primeros ejemplos de un arte abstracto total.

Hará también obras sobre eventos deportivos, como Sprinters, gracias al amor que sintió por el ritmo y el movimiento, lo que concluyó en sus series Ritmos y Ritmos eternos.

Sonia Delaunay.  Influenciada por cubistas y pro colores de los orfistas, creó un estilo basado en yuxtaposición o contraste simultáneo de colores puros.  Esto lo desarrollará tanto en pintura como en el diseño de ropa, lo que revolucionará el diseño textil.

Neoplasticismo.  Teoría estética propugnada por el grupo De Styl o De Stijl, fundado por Mondrian en 1917. 

Sus composiciones son rigoristas, rectilíneas y con colores primarios separados con líneas negras para no dar degradación y así no dar sensaciones ópticas. 

Defendían a partir del cubismo formas extremas de sencillez geométrica, con líneas horizontales y verticales que se cruzan.

Pero los discípulos de Mondrian se dedicarán más bien al diseño, algunos de los cuales serán profesores de la Bauhaus, como Theo van Doesburg.

Constructivismo ruso.  Parten primero de Tatlin y Rodochenko, para luego los escultores Pevsner y Gabo independizarse y publicar el Manifiesto realista, ya que habían pensado que se había creado una nueva realidad, para lo cual se necesitaba un nuevo arte. 

En sus obras, Gabo usaba metales recortados para hacer sus piezas, como se ve en “Arco”, mientras que Pevsner usaba plásticos traslúcidos o opacos, como en “Columna”.

El constructivismo ruso se caracterizaba pues en ser geométrico, lineal y funcional, y para la propaganda de sus objetos existía El Lissitzsky, el cual hizo un ensayo de Proun, en el cual juntaba elementos reales con elementos pintados que representaban volumen.  Además usó simultaneidad de planos.

Suprematismo.  Intentaba dogmatizar acerca de los principios estéticos geométricos e intentaba también evitar la integración del arte en diseño e industria. 

El artista más importante será Malévich, el cual en sus primeras obras están influenciadas por neoimpresionismo y el fauvismo (más simple), para luego tener influencias del cubismo (añade formas), distinguiéndose por una claridad de líneas.  Por último, en 1912 crea su estilo propio, formando el suprematismo con su cuadro Cuadrado negro sobre fondo blanco (1923).

Buscaba reducir la pintura a elementos geométricos, como se ve en el cuadro de Malevich Cuadrado blanco sobre fondo blanco, el punto cero de la pintura, con la cual quería expresar la supremacía de la sensación a través de formas geométricas muy simples.

Junto con el poeta Mayakovsky, hará apariciones en revistas, mientras que en 1916 publicará Del Cubismo al Suprematismo.

Este movimiento será importante para el arte minimalista.

Era un sistema ya usado en la Antigüedad, datado ya en el siglo V a.C. en Grecia, aunque por ejemplo los romanos usaban plomadas, no la máquina de sacar puntos como tal.  La técnica se fue mejorando y en el siglo XV en Italia se redescubrió y se perfeccionó.

Un hito importante fue la creación por parte de Leonardo da Vinci de un sistema de varillas, que tenían la misma función que la máquina de sacar puntos; y Alberti, con su procedimiento llamado "definitor", que era un sistema de un aro horizontal que se pone en la parte superior del modelo y que tiene una plomada que sirve para tomar un punto de referencia, calculando las distancias con respecto al centro y laterales para luego pasarlas al modelo definitivo. 

Sin embargo, en el siglo XIX será cuando Gatteaux inventara la propia "máquina de sacar puntos".  Es un sistema con forma de T invertida, con tres puntos de hierro que sirven de apoyo y son fijos al molde.  Aunque también se pueden añadir nuevos puntos móvibles. 

El procedimiento era hacer el modelo en un material más manipulable, para luego colocarlo en la máquina de puntos y poner las referencias básicas.  Luego se ponía el material de piedra (más difícil de labrar) para colocar los ejes en los lugares de refencia y así poder trabajar mejor.

También se podía usar el compás para ello, que hace la misma función pero es menos estable. 

Normalmente este trabajo se hacía en el taller, luego el artista era el que pulimentaba, policromaba y daba el último repaso a la obra.