He de reconocer que lo bizarro, la sangre y las vísceras me encantan! Mucha gente cree que tengo un problema por ello y como sé que hay mucha gente que sufre del estómago, no pongo imágenes fuertes para no herir los sentimientos de nadie (si alguien le mola, que pinche en cada enlace).

Y es que lo bizarro, palabra que dicen que viene de Dante de sus spirito bizarro, se denomina a toda las cosas que se van fuera de tiesto, que son excéntricas, extravagantes…¡lo raro, lo diferente! Y lo diferente siempre mola

El arte bizarro se denomina a las obras que no podemos llamarlas de ninguna otra forma, no pertenecen a ninguna escuela, ni a ningún movimiento artístico.

Personalmente, creo que los comienzos de lo que ahora conocemos como arte bizarro van mucho más allá de los últimos años, siendo bizarras muchas obras anteriores como El Bosco (El Jardín de las Delicias),  Hans Baldung Grien (Las Edades y la Muerte) incluso si me apuras muchas esculturas del románico de las portadas llegan a ser de lo más bizarras; y, si me apuras más, en todas las representaciones de Cristo crucificado tienen su punto de lo más bizarras.

Por otra parte, la sangre siempre ha sido un punto interesante para analizar en el mundo del arte; como he dicho antes, los Cristos crucificados son el mejor ejemplo para ver esto.  Si en el Románico eran estáticos, tranquilos y sin ninguna expresión, en el Gótico pasamos a humanizarlo con elementos grotescos y realistas como la sangre, la cara de sufrimiento,…pero vamos al Renacimiento, donde el Cristo ahora vuelve a su tranquilidad, mucho más idílico…para pasar al gore del Barroco, donde se añade mucho más realismo, más crudeza (ojos de cristal, pelo natural, sangre, dolor,…)

No nos olvidamos de los personajes de la Corte retratados por Velázquez (enanos, deformes,…) y Goya con sus Caprichos y sus Disparates , abriendo la mente a muchos artistas posteriores que tomarán sus ideas y explotarán el expresionismo, el surrealismo,…los pasos hacia lo que hoy vemos como bizarro ya han sido dados.

Y de ahí nombres como Justin Novak (sus siniestras cerámicas), David Nebreda (sus esquizofrénicas fotografías), Fred Einaudi (sus inquietantes fotos),Vanessa Tiegs (y su serie de cuadros usando la sangre de su menstruación), Joel Peter Witkins (sus bodegones macabros) o Von Hagens (nuestro amigo plastificador que, por cierto, está ahora en Madrid y recientemente he ido a ver otra vez), David Nicholson (sus imágenes grotescas)…

Para acabar, para mentes inquietas y depravadas, aquí tenéis un buen link para arte macabro

Parece algo turbio, porque no saben muy bien si fue alguien de dentro o un robo externo, pero el caso es que se lo han llevado.

Algunos se preguntarán por qué es tan importante el librillo en cuestión.  Resulta que el Código Calixtino, que consta de cinco libros en realidad, tiene en su poder muchísima información y es una de las primeras guías del peregrino del Camino de Santiago.

En él se explican los caminos, liturgias y, sobre todo lo más curioso, las costumbres locales de la época.

Tiene por ello un gran poder para conocer de primera mano cómo se comportaban la gente que vivía por aquellas zonas en esa época.

Y es por ello que los cacos lo han cogido, por su gran valor histórico y, sobre todo para ellos, económico. Hemos tenido a lo largo de estos últimos años muchísimos ejemplos de robos de obras, no es nada nuevo.  Una obra de arte en el mercado negro es cotizada como oro, llegando a cifras astronómicas, y su recuperación es relativamente difícil, porque se pasan entre países con visados de Ministerios de Cultura falsos, contactos, etc.

Además que muchos robos de arte, sobre todo de particulares, no son denunciados por miedo a ser expuestos a Hacienda, ya que por temas fiscales no se han declarado.  Pasa con las herencias, con los objetos "encontrados", regalos,…

Otra cosa curiosa a destacar del mercado negro de obras de arte es que si la obra es exageradamente famosa no cuela, básicamente.  Es decir, si alguien roba el Guernica…pues como que no lo va a vender en el mercado del arte, porque va a ser pillado seguro! Demasiado expuesto y conocido como para pasar desapercibido.

Y, en otro lado, están los robos por encargo, que esos sí que pueden ser de obras todo lo famosa que tú quieras.  Alguien roba, alguien lo coge.  No intermediarios, directo al nuevo propietario y más difícil de rastrear.

¿Qué le habrá pasado al Códice pues? ¿Alguna sugerencia, opinión, idea o locura?  Abierta la veda queda, opinen ustedes!

Sí, la verdad.  Yo lo intento pintando y dibujando, incluso escribiendo, pero no hay forma.  Por eso estudié historia del arte y por eso hago este blog.  La capacidad artística es un don que se nace o no, ya no requiere sólo de saber dibujar o pintar, sino saber plasmar, ver, percibir y notar cosas que los demás no hacen, y encima plasmarlo.  Yo creo que la primera parte la he desarrollado bastante, a base de observación, pero la segunda es la que me mata.

Y es que es muy fácil decir a una obra, "eso lo sé hacer hasta yo", pero nadie sabe lo que está implícito en ella, hasta que no te paras a pensar en la trascendencia que tiene o ha tenido, nadie sabe cómo coger un pincel y ya quieren hacer un Picasso. Y es que para ser arriesgado tienes que conocer a qué tienes que enfrentarte para arriesgarte.  Y para saber plasmar algo tienes que quitarte la venda de los prejuicios que tienes impuesta a lo largo de los años para poder ver todo con claridad.  Qué fácil es decirlo y qué complicado hacerlo.

Ya no se arriesga como antes, ya no se innova, ¿estamos evocados al fracaso y al olvido? ¿Ya no hay locos que sueñan con algo distinto porque en su interior le dicen que tienen que hacerlo, que se arriesguen? Quien no arriesga no gana, y la vida es una apuesta donde a veces se gana, y otras se pierde, pero que siempre merece la pena luchar.

En el siglo XIX era relativamente fácil, se "inventaron" los botes de pintura y los artistas salieron a la calle, vieron lo que había, el verde, los parques, y nació poco a poco el impresionismo. De la modernidad y la velocidad de nuestros tiempos nació el futurismo.  De la globalización y la apertura de mercados nació el japonismo y el cubismo.

¿Por qué nos frustra soñar? ¿Acaso el arte ha muerto y sólo existe el mercado? ¿el papel del artista es secundario y todo son modas?

Me siento frustrada porque no puedo plasmar lo que siento y hay muchas personas que saben hacerlo, pero lo único que les importa es su ego, dinero y fama.  Coño, despertad, dejad de alimentar el bolsillo y empezar a alimentar vuestra alma, porque moriréis podridos de dinero y sólos.

Ójala que venga pronto el tiempo y la historia y ponga cada uno en su sitio.  A cada sociedad su arte, dicen, pues nuestra sociedad apesta.

Resulta que Facebook, omnipotente red social donde estamos todos (hasta analizarte, por si queréis apuntaros , le da por cerrar cuentas a diestro y siniestro con algún tipo de criterio.  Digo algún tipo porque algunas cosas se salen de tiesto, como la cuenta que cerraron por tener una foto de una pintura de Courbet, en concreto el Origen del Mundo (ver imagen del post).  ¡Oh dios mío, un coño! ¡Qué les corten la cabeza!

Si a estas alturas nos sorprende este tipo de decisiones, ¿qúe esperamos de la humanidad? ¿es que los niños de hoy en día se pueden escandalizar con algo, si nosotros no lo hacíamos en nuestros tiempos? Y estamos hablando de arte, no de una imagen hiper porno.  Supongo que los censores de Facebook cuando vean el David de Miguel Ángel tienen que decir vade retro satanás o es que Facebook se lo está tomando muy en serio eso de ir de puritanos por la vida.  Se podrían poner un poco más exquisitos con la protección de datos, por los continuos problemas que han tenido, y vetar un poco a las empresas de hacer publicidad a saco en los perfiles sin que nosotros no nos enteremos.   Y ya de paso, clausurar la granja, que estoy de que me manden ovejas…

Entiendo que la pintura causara impacto en su tiempo y que para muchas personas actualmente también lo haga, pero señores, llegar a la censura me parece algo rayando lo absurdo.  Que les "den un toque" diciendo "oye, que mira, que hay niños, que por favor cámbiala" pues bueno, lo puedo ver hasta algo normal, por política de empresa, pero que la censuren así sin más…

¿Vosotros qué opináis, es tan indecente una pintura de 1866 para los ojos de nuestra juventud/infancia?

Y, a aparte, muy listo…

A mí la verdad es que siempre me ha sorprendido este personaje del arte que se atreve a meter una oveja en formol y encima vendernos la moto por millones de dólares.

No contento con eso, ahora se dedica el amigo Hirst, él solito, a vender su propia obra, por primera vez en la historia, sin contar con la ayuda de ningún mecenas/galería.

Hace poco me preguntaron en Observatorio cuál había sido el punto de inflexión en la idea del mecenas-patrón de los artistas.  Es decir, cuando dejaron de hacer caso a un mecenas para hacer lo que ellos querían.  Le comenté, por responderle de alguna forma a esta complicada pregunta, que no era un artista el que dijo el primero que "yo quiero hacer esto y a callar" sino que fue una sucesión de cosas.

Por ejemplo, el hecho de que fueron los artistas los propios revolucionarios para que el arte no se considerara algo meramente práctico, sino algo mental, fue un punto importante para llegar a esta idea final.  Hay que tener en cuenta que el arte empezó siendo algo así como una magia de unos pocos, para pasar a ser algo mental, algo que implicaba una Idea (Ilustración), que era plasmada o no (arte conceptual).

Por eso, yo creo que habría una evolución a la hora de pensar en este aspecto, no sé cómo lo pensaréis vosotros.

De hecho, a mi juicio, otra de las cosas que ayudaron a esta medida es la valoración de las artes "menores". Es decir, la orfebrería, la cerámica,…las artes y oficios comunes se empezaron a considerar como artes mayores en el siglo XIX con movimientos como el Arts & Crafts, modernismo,…esto supuso una gran revolución, porque implicó que el propio artista, que hasta ahora se había centrado en las artes "mayores" pudiera combinarlas, crear con otras disciplinas, algo con mucha más libertad de movimiento.

Y todo esto, por supuesto, con la línea evolutiva propia del mercado artístico. Si al principio veíamos mecenazgos, del tipo los papados en el Barroco, por ejemplo, empezaremos a ver en el siglo XVIII finales y siglo XIX la figura del marchante de obras y del propio estudio.

Ese marchante no se ha perdido actualmente, por ejemplo, tenemos la figura institucional del Museo Guggenheim con Peggy Guggenheim en el siglo XX.  Sin embargo, este perfil se va diluyendo mientras pasan los años.

Y es ahora cuando entra en escena Damien Hirst.

¿Supone un cambio, un paso más? ¿la muerte de las galerías y los intermediarios del arte? ¿unas nuevas reglas en el mercado artístico?

¿O simplemente una excentricidad más?

Es bastante frecuente pensar que quien estudia arte o a quien le gusta el arte es un entendido de todos los artes, de todos los tiempos, de todos los artistas y sino sabe algo todo el mundo te mira como diciendo…¿y a ti te gusta el arte?

Por eso, la pregunta de ¿oye, qué estilo es esto? es bastante desquiciante, por lo menos para mí. Es como cuando vas a una excursión y tienes una guía turística y te miran todos como diciendo, ¿es verdad lo que dice? ¡Pues claro! (normalmente).

Que estudies arte o hayas estudiado o que te guste no implica que tienes que saber de todo, es prácticamente imposible saber todas las respuestas y a la pregunta del título hay que entender muchos factores para responderla. Por ejemplo, que un edificio no es un ser inerte que lo construyen y ahí se queda, sino que hay varios motivos por los que evoluciona, que podrían ser:

• Un edificio, por ejemplo, cambia con el tiempo según la sociedad en la que esté. El ejemplo perfecto lo encontramos en la mezquita de Córdoba que ahora se utiliza como iglesia o la Alhambra que se "reinventó" con un palacio de Carlos V. Los edificios cambian de uso a lo largo de su historia, por lo que su estructura y su decoración se adecúan a la nueva utilidad.

• Accidentes. El azar es a veces el que más cambia la funcionalidad y la estética de un edificio. ¿Cuántas iglesias actuales tenían un origen románico que se quemó en un incendio? Los incendios son muchas veces la causa más frecuente en un cambio porque se tiene que hacer de nuevo el edificio pero…¿por qué hacerlo al estilo anterior sino al que se ha puesto de moda en la época?

• Otro aspecto a tener en cuenta son las guerras, asaltos o vandalismo, que han provocado que muchos edificios quedan parcial o totalmente destruídos. Por eso, se han tenido que ir rehabilitando y por eso se hace en el mismo estilo que predomina en la época, en muchos casos.

• Nuevos gustos de la sociedad. Un edificio construído en el Gótico puede tener una fachada románica, otra neoclásica y en su interior una capilla barroca. Es como una especie de puzzle donde se ven todas las modas que a lo largo de su historia han pasado, porque la sociedad evoluciona y adapta sus edificios a sus nuevas exigencias estéticas.

• Arquitectos, restauraciones y demás. Quizás son los factores que menos puede influir a simple vista, pero a veces son los que más cambian los edificios. Y sino que se lo pregunten a Violet le Duc, arquitecto francés famoso por sus restauraciones de edificios góticos (Notre Damme de París, por ejemplo) donde se inventaba la mayoría de las cosas. O por poner un ejemplo nacional, la fachada de la catedral de Barcelona, que muchos teóricos y tratados hablan de que la original no tendrían nada que ver con la restauración…

Por eso, es un poco más compleja la pregunta de lo que parece porque la parrafada que puedes decir para explicar la respuesta que des puede ser monumental…

¿Os ha pasado alguna vez esto que digo? ¿qué decís en ese caso?

¿Qué pensáis? ¿se podría aplicar a una obra de arte, cambiando "billete" por "obra de arte" en la frase?

Me acuerdo esas temporadas de películas del Oeste míticas que echaban los mediodías, mi padre viéndolas tirado en el sofá gozándolas.  Ahora a mediodía echan corazón, telenovelas,..

¿Qué ha pasado con Garci? Vale que es un personaje un tanto peculiar, pero yo apendía mucho en sus charlas (vale, no las veía enteras porque eran arduas) y las películas que ponían eran estupendas.

Un lector, Toro Sentado, me escribe a mi email para comentarme el caso de una cadena, flymusic, de música que la están magullando por esta misma razón.  Y me lanza la reflexión:

"No entiendo porque en TV los intereses económicos siempre van en contra de la cultura."

Supongo que es la vieja cuestión de por qué los intereses culturales, en general, están tan poco valorados socialmente.  Siempre he pensado que nosotros recogemos lo que sembramos.  

Personalmente, una de las razones por las que creo que el mundo del arte en particular en el mundo de la televisión está tan "menospreciado" a la hora de número de programas, emisión de estos, duración, horarios…es por la forma de plantearlo.  Se intenta dar la idea de seriedad, de eruditos que hablan sobre cosas que la mayoría de mundanos no conocen.

A lo mejor el fenómeno "blog" está en contra de eso y por todo ello tienen éxito muchos de sus formatos en cuanto al arte.  Es una forma de expresar cosas de tú a tú, no para eruditos, no hombres estirados desde su galería de arte explicándonos su concepción metafísica. 

Yo abogaría por un programa de arte, que es el que me gustaría, joven, fresco, innovador.  No simplemente decir una obra tras otra o un artista y otra galería, otra feria…sino explicar los por qués de forma más directa, sin tecnicismos.

¿La cultura es rentable económicamente para la televisión? Supongo que otra pregunta buena sería ¿es necesario que sea rentable?

Vamos a ser realistas, en el mundo en el que estamos viviendo la rentabilidad económica es uno de los pilares de muchas de las cosas que se hacen.  Es normal, de algo hay que comer.  Pero no creo que se haya sacado todo el jugo cultural a los programas.  

Por otra parte, ¿vosotros pensáis que dejarían hacer un programa cultural "diferente"? Es decir, joven.  Sabemos que la televisión está muy supeditada a las opiniones de expertos que, normalmente, ven a la gente joven como inexperta y se estancan en formas de realizar, ver y sentir la televisión.  Muy tradicional, si queréis llamarlo así.  

Internet ha obligado a la televisión a un movimiento, unos cambios, que no estaba acostumbrada.  Quizás es el momento de la cultura, de hacernos un hueco desde las nuevas tecnologías para inundar el espacio cotidiano de las personas a través de la televisión, de los periódicos…

¿Vosotros qué opináis? ¿Sería bueno un programa sobre arte?

Y volviendo a la cuestión anterior, la televisión es un reflejo de la sociedad que lo que pretende es divertirse.  La mayoría de nosotros van a casa hartos de trabajar y aguantar a los jefes, para divertirse, evadirse.  Por eso existen los juegos de ordenador, los libros, la televisión.  Por eso ¿qué te ofrece un programa cultural para divertirte? Por eso mismo no tienen éxito, a mi juicio, en la gran mayoría del público.

Y por eso mismo no tienen éxito en la parrilla televisiva.

¿Es el momento de hacer saltar por los aires los prejuicios que se han producido en cuanto a la cultura?

Lo primero que les pregunté que si pensaban si eso era arte, que qué sensaciones le daban a ellos.  Realmente fue a su pareja a quien se lo pregunté, pero él me contestó que le preguntara a ella que "era la que entendía".  Y ella me contestó con una frase muy acertada: "Estamos discutiendo si es arte o es diseño".

¿Realmente hay diferencia? ¿El diseño es arte?

Estuvimos comentando la idea de que esa pregunta se contesta depende de con quien hables, ya que hay muchas teóricas al respecto.   Supongo que el diseño es una disciplina tan sumamente reciente que no se sabe dónde colocar.

Una de las afirmaciones que más me ha llamado la atención al respecto es la de Reynaldo Leiro que habla sobre la diferencia entre ambas disciplinas argumentándolo desde la posición de la "utilidad".  El diseño soluciona problemas y el arte los incita.

La línea que separa ambas disciplinas se hace cada vez más pequeña si pensamos que toda escultura, por ejemplo, tiene un diseño inicial.  Si vemos la definición de la RAE de "diseño":

"Traza o delineación de un edificio o de una figura."

Entonces toda la arquitectura de la historia tiene un diseño previo, un proyecto, una idea.  Por ello es diseño.  ¿Entonces el diseño es o no es arte?

Otra acepción de "diseño" es:

"Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie."

Esta definición se entienden en el marco del diseño gráfico o diseño industrial, por ejemplo.  Pero ¿qué decir de la producción de grabados, cuyo número de series puede repetirse multitud de veces? ¿Serían diseño también?

El diseño muchas veces se vincula con la creatividad, con la innovación, con el concepto de la idea previa a la consecución final.  Por eso, desde los cartones de los tapices hasta los bocetos de los frescos tendrían un diseño.  Por lo que…¿el diseño sería arte?

Sin embargo, en la actualidad asociamos "diseño" a una disciplina distinta a la idea de "previo" o "idea".  Cuando nos dicen diseño en ocasiones visualizamos, por ejemplo, una silla, una lámpara.  Y es que la idea de diseño actual se configuró en La Bauhaus , escuela de diseño alemana que propugnaba el acercamiento del arte a la vida cotidiana y una nueva forma de ver la pedagogía , entre otros fundamentos.

Usaban el diseño como medio artístico.

La diferencia más obvia en cuanto a arte-diseño es la funcionalidad.  El arte no tiene por qué tener una función fijada, puede ser mero decorativo.  Para algunas personas, sin embargo, el diseño tiene que tener una funcionalidad práctica (una lámpara tiene que alumbrar, una silla tiene que ser cómoda…), ¿sería ésto lo que los diferencia?

¿Vosotros qué pensáis? ¿el diseño lo consideráis arte o sería una disciplina independiente?

Nunca antes tuve la oportunidad de ir a ver la feria, por mis exámenes o por mi trabajo, pero este año fui invitada por el programa de TVE Cámara Abierta 2.0. como una especie de reportera dicharachera.  

ARCO te deja, sin duda, enormemente embriagada de arte actual.  Es como beberte de trago un litro de arte actual, sin hielo ni vaso frío. 

Para que os hagáis una idea, ARCO son dos enormes pabellones, uno de ellos con un segundo piso, donde se engloba tanto las galerías más potentes como las revistas, un foro de expertos, una sala de relax o vip (vamos, los que tenían dinero iban a allí y los demás mirábamos)…

Sin duda, si no entiendes el arte actual ARCO es tu sitio de entretenimiento favorito para ver lo que es capaz el ser humano de crear e idear.  A mí personalmente muchas de las propuestas me dejaron más bien fría, a mi juicio falta innovación.  Mucha repetición, mucho juego de provocación (había una fotografía de un primer plano de los huevos, literal, de un hombre debajo de una falda)  y mucho dinero por medio.

Porque no hay que olvidar que ARCO es un mercado, nada de culturizar ni de hacer llegar el arte al público.  Eso de "vamos a hacer que la gente entienda el arte actual" no va con ellos.  Aquí lo que se busca es coger tajada, si me permitís la expresión.

Dicen que el volumen de ventas de ARCO ha sido igual al anterior año y que el volumen de visitas más de lo mismo.  ARCO es un circo, la gente no sabe dónde mirar, qué mirar y, lo más importante, qué demonios están viendo y el por qué.

Yo tuve la oportunidad de hablar con algunos artistas y galeristas que explicaban sus procedimientos y algunas creaciones me parecieron fabulosas, como los parásitos urbanos.   Otras, más bien anécdotas, como un Mister Potato maqueado o un coche lleno de estampas y utensilios, al más puro tunning total.

ARCO es una anécdota, un tejemaneje de dinero en el que el espectador es un mero trámite y en el que las instituciones son las que más aportan al mercado, ya que son ellas las principales compradoras del arte que allí se exponen.

Quizás ARCO lo que hace es engordar el mito del arte actual como inaccesible, como algo etéreo que no hace falta comprenderlo sino que está ahí.  El arte actual no se entiende, eso es una realidad.  Pero tampoco hace mucho para que se entienda, simplemente se consume, se digiere.  Y cosas como ARCO no ayudan a hacer comprender que el arte es algo que se disfruta, que se siente, que es para el pueblo.

¿Algunos artistas que exponen allí pasará a la historia? ¿Se pondrán a la altura de Velázquez, de Rembrandt o de Fidias?

Quien sabe…la historia cada uno en su sitio.  Y es eso, historia.  Enlazando pensamientos habría que comentar que lo que nosotros vemos en el arte actual no es otra cosa que lo que hemos querido hacer con nuestra sociedad.  Muchos de los que se preguntan ¿qué es el arte? tendrían que mirarse así mismos, porque allí tienen la respuesta.

A cada arte su tiempo, decían.

Si tenemos una sociedad abocada al caos, un arte abocado al caos es lo que corresponde.  El arte actual saltó por los aires con el grito del "todo es arte", un todo vale que nos está costando caro en muchos aspectos pero que en otros no deja de ser gratificante.  Gratificante, sí, porque la creatividad, la innovación y las ganas de creación artística que hay en la actualidad son iguales que en el Renacimiento.

Pensad en ello.

Y, como digo yo siempre, para acabar deciros que ARCO es el Aquí hay Tomate del arte…todo el mundo se lleva las manos a la cabeza…pero todos hablan de él